« Summer Show » à la Cohle Gallery, du 8 au 24 juillet. L’opportunité de découvrir les nouvelles œuvres de huit artistes dont trois nouveaux arrivants : Colin Roberts, Tom Jean Webb, et Nksin dont le travail sera présenté pour la première fois en Europe.
Artistes : Ador (FRA) | Colin Roberts (USA) | Fenx (FRA) | Ludovilk Myers (FR) | Madi (FR) | Nksin (JAP) | Poes (FRA) | Tom Jean Webb (UK)
Dates : 8 au 24 juillet
Vernissage : Jeudi 8 juillet (18h-21h)
Mercredi au samedi – 14h à 19h et tous les jours sur RDV
Cohle Gallery – 17 rue Victor Massé 75009 Paris
5 jours de performance artistique, culturelles, sportives sur plus de 6500m2 du parvis de la Défense. En accès libre et gratuit tout les jours ! Au programme : Street art live, marché de créateurs, concerts, talk shows et food court. En découvrir plus : parisladefense.com
Depuis plus de 18 mois, 35 entreprises mécènes et 70 artistes de tous horizons travaillent à la cocréation de 30 œuvres d’art originales et monumentales, toutes exposées pour la première fois sur 20 places publiques de Strasbourg jusqu’au 13 juin 2021.
L’Industrie Magnifique associe artistes, entreprises mécènes et collectivités locales, fédérés autour d’un objectif commun : promouvoir et développer la création, l’art et le patrimoine industriel dans les territoires.
Initié par Thomas Erber, cette exposition hommage présente le travail inédit de trois designers (Vincent Darré, Pierre Gonalons et Atelier Baptiste et Jaïna) qui mettent en scène, chacun dans un espace dédié, leurs interprétations de l’univers d’Hilton McConnico.
Designer, décorateur, scénographe, photographe, peintre, dandy césarisé et décorateur de cinéma (pour, entre autres, le film Diva de Jean Jacques Beineix), Hilton McConnico fut, durant sa longue carrière internationale, ce touche-à-tout parfaitement génial qui collabora avec les plus grandes maisons (Daum, Hermès, Compagnie des Cristalleries de Saint Louis…).
Pensée comme une «villa Médicis» moderne pour mieux connecter les marques aux artistes et à la culture, cette maison est un appartement de collectionneur, une galerie privée, un lieu de rencontre et d’influence. Son ouverture au public permet au plus grand nombre de profiter des œuvres et du travail des nombreux artistes, créateurs et marques avec qui la maison collabore.
Rupture House, 1 place André Malraux, 75001 Paris
Du 4 juin au 31 juillet
Les vendredis et samedis de 10h à 18h
Jusqu’au 22 juin 2021, la Galerie GADCOLLECTION a le plaisir d’annoncer l’exposition personnelle de Rachel LEVY, Maître de la Photographie Florale. À travers une sélection de 15 photographies, « Herbarium » propose une incursion contemporaine dans l’une des grandes traditions de la botanique : l’herbier.
« Une anatomie végétale d’encre et de papier. Cette nouvelle série d’images, est un herbier urbain. Réalisé tout au long de l’année 2020, la collecte de cette matière végétale s’est faite au gré de mes promenades, lors des conditions si particulières de cette conjoncture. Ces plantes se trouvent dans mon environnement immédiat à Paris. C’est souvent dans un calme inédit et, auparavant inimaginable, que c’est fait ce travail. Ma réflexion s’est alors articulée autour de la manière dont une société vit son rapport à l’espace et à la nature, à un moment donné de son histoire. J’ai voulu, par l’approche minimaliste du traitement, traduire cette nouvelle lucidité concentrée sur ce qui importe, en éliminant l’accessoire et le superflu. In-fine, mettre en valeur le plus essentiel, pour mon travail. Ce qui pour moi signifie, tout ce qui a trait aux cycles de la vie, à son aspect éphémère et à ses perpétuels recommencements. Le choix des tonalités est ici une ode à la relation esthétique, particulière, des divers pays d’Extrême-Orient à la nature. »
4 Rue du Pont Louis Philippe
75 004 PARIS
+33 (0) 1 43 70 72 59
info@gadcollection.com
www.gadcollection.com
Heures d’ouverture
Mardi au vendredi, de 14h à 19h
Samedi et dimanche de 14h30 à 19h
L’artiste japonais MAKERS SPACE trouve son inspiration dans ses pixels aux couleurs fortes, donnant ainsi des œuvres simples mais sophistiquées. Chaque ton se mélange dans un rythme certain, alliant formes prosaïques et compliquées. MAKERS SPACE illustre ainsi l’aspect ordinaire du monde de façon atypique.
Son travail a démarré sur les réseau sociaux où sa série de photos « Pixelation » présentait les gens devenant pixelisés. Elle mettait en lumière une problématique d’actualité, à savoir la surexposition de nos vies, que l’on souhaite néanmoins privées : en étant pixelisées. Aujourd’hui, sa vision pixélisée du monde s’exporte sur toiles et sculptures. L’artiste revient à l’aspect primitif des cubes de couleur, chaque création devient le filtre de l’utilisateur, où nom et identité disparaissent au profit de la création..
Gallery Jo Yana
SOLO SHOW ソロショー MAKERS SPACE
DU 9 AU 12 JUIN 2021
78 RUE DE TURENNE, 75003 PARIS
La Rue inspire à tout le monde un air de liberté et c’est sur le pavé de La Rue que se jouent nos libertés de demain. Dans La Rue chacun est sur un même pied d’égalité et c’est dans la Rue que le melting pot se fait le mieux, un skateur peut partager la rue avec un businessman ou encore avec un ouvrier se rendant à son travail, le tout dans un équilibre parfait. Dans La Rue, les étrangers d’hier peuvent devenir nos frères et sœurs de demain…
Après le succès de sa toute première exposition « Uncovered », la galerie Goldshteyn-Saatort propose à présent « La Rue, La Rue, La Rue ». Pas moins de 24 artistes issus de 10 pays différents, des références du street art reconnues sur la scène internationale et peu représentées en France. Chacun à leur manière, ils ont fait de la rue leur terrain de jeu, d’expression et de création.
LES ARTISTES : SMOG ONE, COPE2, SINO, BELIN, SCKARO, VINIE GRAFFITI, MARTIN RON, NATALIA FABIA, PURE EVIL, MATHIEU QUESTEL, DIGITAL DOES, AKIROVITCH, ASTRO, RATUR, SLIKS, ALEXEY KONDAKOV, INSANE51, MARAT MORIK, SERGEY AKRAMOV, URI MARTINEZ, ROMAIN BATTAGLIA, SUN7, VLADIMIR ABIKH, GREAT BATES
« La Rue, La Rue, La Rue »
Une exposition collective de la galerie Goldshteyn-Saatort
Vernissage officiel le 5 juin à partir de 16h et jusqu’à 21h
En présence de la légende du graffiti Cope2, venu de New-York spécialement pour l’occasion
7 rue de Verneuil, Paris 75007
Ouverture du mardi au samedi, de 11h à 19h
La galerie sera fermée tout le mois d’août et réouvrira le 1er septembre jusqu’au 30
Illustrations :
Natalia Fabia – Sparkle Party at Black and White – 2012
Smog One – Blue Jay – 2021
David Zwirner a le plaisir d’annoncer Don’t Cross the Bridge Before You Get to the River, une exposition de l’artiste belge Francis Alÿs (né en 1959, vit et travaille au Mexique) dans sa galerie parisienne. L’exposition réunit un ensemble d’œuvres réalisées autour d’une action qui s’est déroulée simultanément sur les rives opposées du détroit de Gibraltar, à Tanger au Maroc et à Tarifa en Espagne, le 12 août 2008. Il s’agit de la première exposition à Paris de cet artiste de renommée internationale qui représentera la Belgique à la Biennale de Venise de 2022.
Les œuvres de l’artiste figurent dans des collections publiques du monde entier, notamment au 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Japon ; à l’Art Institute of Chicago ; au Hammer Museum, Los Angeles ; au Musée d’art moderne de la Ville de Paris ; au Musée d’art moderne Grand-Duc Jean, Luxembourg ; au Museum of Modern Art, New York ; au Philadelphia Museum of Art ; à la Pinakothek der Moderne, Munich ; au Solomon R. Guggenheim Museum, New York ; au Stedelijk Museum, Amsterdam ; et à la Tate, Royaume-Uni. Francis Alÿs est représenté par David Zwirner depuis 2004. Il s’agit de la quatrième exposition individuelle que lui consacre la galerie.
David Zwirner Paris
108 Rue Vieille du Temple, Paris II
Du 5 au 17 juin prochain, le 1er étage de l’espace Maison du Bon Marché Rive Gauche, exposera une sélection des 120 lots d’objets, luminaires et mobilier du XXe siècle mis en vente.
Des lampes danoises des années 1930, une table en céramique émaillée du céramiste suédois Stig Lindberg (1916-1982), une bibliothèque célèbre ou des céramiques du designer Ettore Sottsass, une série de chaises « Fourmi » de l’architecte Arne Jacobsen fabriquées en 1969 par Fritz Hansen, la célèbre chaîne hifi RR126 en bois laqué et aluminium des frères Achille et Pier Giacomo Castiglioni pour Brionvega, une commode moderniste conçue par le Français Pierre Chapo au début des années 1970… Une sélection réalisée en collaboration avec le département « Design » de la maison de ventes parisienne Pierre Bergé & Associés, piloté par Nicolas Denis et le curateur Gilbert Kann.
Le 17 juin à 18h, aura lieu la vente aux enchères de ces pièces pour la première fois au sein de ce magasin rempli d’histoire, sous l’immense verrière du restaurant de La Grande Epicerie de Paris, La Table.
Du 28 mai au 31 juillet 2021, la Galerie MAGNIN-A accueille Les Drôlesses, une série de photographies d’agnès b., réalisée par la styliste au printemps 2020 durant le confinement. Ces images mettent en scène Claire Tabouret dans le décor printanier du jardin d’agnès vêtus des créations provenant de sa garde-robe personnelle. Au fil des 80 images, Les Drôlesses racontent agnès, espiègle et intemporelle. Un livre intitulée Les Drolesses rassemble l’ensemble de ses photos et accompagnera l’exposition.
LES DRÔLESSES
Exposition du 28 mai au 31 juillet 2021
Entrée libre
Du mardi au samedi, de 14h à 18h.
MAGNIN-A
118 BD RICHARD LENOIR – 75011 PARIS
www.magnin-a.com
La galerie Polka annonce l’exposition de la nouvelle série de Sebastião Salgado, Amazônia, du 11 juin au 11 septembre 2021. Organisée, en marge de la grande installation de la Philarmonie de Paris qui accueille plus de 200 photographies , l’exposition de la galerie Polka rassemble des tirages inédits ainsi qu’une sélection réalisée en étroite collaboration avec le photographe et son épouse Lélia Wanick Salgado. Pour l’exposition à la galerie Polka, Sebastião Salgado a souhaité partager un peu de ce quotidien avec les visiteurs : le studio photo installé lors de plusieurs voyages en 2018 est une invitation à vivre au cœur des images.
« Un univers mystérieux dans lequel la puissance de la nature est ressentie comme nulle part ailleurs sur Terre. Ici s’étale à l’infini la forêt qui abrite un dixième de toutes les espèces animales et végétales. Le plus grand laboratoire naturel au monde. »
Cour de Venise, 12 Rue Saint-Gilles, 75003 Paris
http://www.polkagalerie.com
Ouverture de l¹exposition de Marcos Carrasquer Que la fête commence ! à la galerie Polaris, jusqu’au 29 juin 2021 (également le dimanche 30 mai de 14h à 18h).
(…) S’inspirant de figures issues de notre monde contemporain, Marcos Carrasquer les grime, les pastiche, les maquille outrageusement pour mieux en saisir le ridicule, le factice. Son univers pictural ainsi délimité, l’artiste affine ses personnages et leur environnement, les pousse dans leur retranchement, affirme le grotesque des situations. Quoi de plus banal qu’une femme chez elle mais dans La vie sur terre, la sirène est nue, exténuée, au bord du gouffre… alors qu’elle croit encore aux prévisions chinoises dans les fortune cookies, seul le poisson bien à l’aise dans son aquarium à l’abri est imperturbable… (…) Françoise Docquiert
Du mardi au samedi de 11h à 19h
Dimanche 14h – 18h
15, rue des Arquebusiers
75003 Paris
Tél. +33 (0)1 42 72 21 27
polaris(at)galeriepolaris.fr
5, rue Saint-Claude
75003 Paris
Fort Gansevoort est fier d’annoncer que Black Plight de Keith Duncan a été acquis par le Pérez Art Museum Miami
Black Plight établit une chronologie visuelle qui met en lumière des moments spécifiques de l’histoire des Afro-Américains aux États-Unis. Keith Duncan utilise des tissus à motifs dans cette œuvre, créant une composition à plusieurs niveaux qui est un hommage aux grandes femmes du Sud de Gee’s Bend.
Cette acquisition a été rendue possible par un don généreux d’Eric G. Johnson.
Keith Duncan, Black Plight, 2016, Acrylic on unstretched canvas with fabric, 45 x 175 inches
Sept ans après sa toute première exposition Pan Negro à la Galerie Itinerrance, l’artiste espagnol, David de la Mano, signe son retour à Paris avec son tout nouveau solo show « INTEMPERIE ». L’artiste propose à son public français une scénographie et une collection d’œuvres originales minimalistes et monochromatiques.
Ses œuvres accueillent des sujets inspirés de la nuit des temps, des sujets faisant références aux rites tribaux, païens, aux mythologies et aux différents cultes qui ont accompagnés l’Homme durant sa longue histoire. David de La Mano reprend toutes ces notions issues de la spiritualité et de l’imaginaire de l’Homme qui en font une source d’inspiration majeure pour ses expositions.
Dans son exposition, l’artiste complexifie également son travail par l’interprétation de différents mythes classiques qui apparaissent de manière voilée ou explicite dans différentes scènes. C’est dans cette volonté de rappeler l’importance fondamentale de l’Homme d’être dans un environnement extérieur que David de La Mano nous présente cette toute nouvelle exposition personnelle.
Galerie Itinerrance
24 b bd du Général Jean Simon
75013 Paris
+33 1 44 06 45 39
À partir du 20/05
Accès libre et gratuit
du mardi au samedi de 12h à 19h
Maurice Renoma invite William Bakaimo et Famakan Magassa pour une exposition inédite intitulée » Scène Symphonique » à l’Appart Renoma, du mercredi 19 mai au mercredi 30 juin 2021. Entre fantasme et réalité, humour et fatalisme, Maurice Renoma, William Bakaimo et Famakan Magassa mettent en scène l’Homme face à ses limites et ses démons, sa nature destructrice et l’impact d’une société contemporaine intrinsèquement pervertie.
Des œuvres fusion, mêlant photographies de Maurice Renoma et intervention peinture de Bakaimo et Magassa, ont été créées spécialement pour cet événement.
L’APPART RENOMA
129bis rue de la Pompe
75016 Paris
Du mardi au samedi de 10h30 à 18h30 sur rendez-vous
The Spaceless Gallery met en évidence le travail photographique de l’artiste américaine Lara Porzak et de l’artiste français Pierre Bonnefille dans l’espace L’Eclaireur Hérold.
Béatrice Masi, curatrice et fondatrice de the Spaceless Gallery présente IN(SIGHT): une exposition qui réunit les œuvres photographiques d’une artiste à mi-chemin entre ancien et moderne, dévoilant un subtil équilibre d’ombre et de lumière et l’art pictural d’un peintre exprimant les reflets de la lumière sur l’eau de manière plus abstraite.
Parmi les 28 œuvres sélectionnées pour cette exposition collaborative, trois d’entre elles se distinguent. Imposantes et puissantes, ces photographies ramènent le spectateur à l’endroit où Lara a capturé cet instant tandis que les plus petits clichés, parsemés dans ce lieu propice à la déambulation, interviennent comme des souvenirs. Elles font ainsi écho au charme du lieu au côté des 3 œuvres de Pierre.
Ouverture au public, Vendredi 21 Mai 2021
10h00 – 18h00 – du Mardi au Samedi
L’ECLAIREUR
10 rue Hérold, 75001 Paris
Fort de son succès lors de la première édition en 2020, la Fédération Française de Tennis ouvre pour la seconde fois ses collections de photographies au grand public à l’occasion d’une exposition unique et solidaire. (Du 24 mai au 13 Juin 2021, Lobby de L’hôtel Molitor, entrée libre. 13 rue Nungesser et Coli 75016 Paris)
Contrastes des émotions…
qui traversent les joueurs, le calme de Borg à la colère de McEnroe.
Contraste du temps…
qui renverse le cours d’une finale, sous une pluie battante ou une chaleur écrasante.
Contraste des matières…
qui composent ce stade mythique, la volatilité de la terre battue face à la solidité du bois des sièges, la dureté du béton face à la finesse des plantes.
Contraste de la lumière…
qui offre aux photographes à la nuit tombée un Roland-Garros inédit, entre l’éclat du jour et lumière des projecteurs.
Tous les bénéfices des ventes seront reversés à des associations qui soutiennent le développement du tennis en France ou à l’international au travers de projets sociaux, solidaires, éducatifs, culturels ou environnementaux via le fonds de dotation FFT (le fonds de dotation FFT est une structure indépendante dédiée à la philantropie et au mécénat). Suite à la visite de l’exposition photos dans le lobby de l’hôtel, il sera possible de poursuivre l’expérience Molitor sur le rooftop. A l’occasion du tournoi, un cocktail exclusif sera en dégustation, ainsi que la carte des cocktails tous plus surprenants les uns que les autres ou encore vous laissez surprendre par la carte du restaurant imaginé par le Chef Martin Simolka.
Rooftop Molitor
6, avenue de la Porte Molitor – 75016 Paris
Restaurant du Rooftop – sur réservation pour le déjeuner et le diner*
Bar du restaurant ouvert tous les jours à partir de 12h – sans réservation
Solarium ouvert tous les jours de 16h à 00h* – sans réservation
*horaires soumis aux mesures gouvernementales
Afin d’apporter une aide concrète et immédiate, l’association Art of Change 21 lance une action solidaire, planète art solidaire, grâce au mécénat de la Maison Ruinart. Planète art solidaire s’adresse à tous les artistes contemporains (plasticiens) de plus de 18 ans et de moins de 40 ans, non-étudiants et résidant en France, pour qui l’environnement est un thème important, sinon le thème principal de leur travail. Engagée à leurs côtés depuis 2014, l’association a tenu à répondre à l’urgence actuelle et à aider la jeune génération à passer ce cap. Pour candidater, il suffit de compléter un dossier composé d’un questionnaire simple et rapide, afin d’évaluer la place de l’environnement dans le travail de l’artiste et l’impact de la crise sanitaire sur sa création. L’appel à candidature est ouvert jusqu’au 31 mai, sur planeteartsolidaire.org Les lauréats seront annoncés en juin 2021.
Un jury prestigieux:
Alice Audouin, présidente d’Art of Change 21 et présidente du jury
Emanuele Coccia, philosophe
Emma Lavigne, présidente du Palais de Tokyo
Pauline Lisowski, critique d’art
François Michaud, conservateur à la Fondation Louis Vuitton
Fabien Vallérian, directeur Art et Culture de la Maison Ruinart.
Ce soutien de 42 000 € est destiné à être partagé entre 21 jeunes artistes dont l’environnement est au coeur de la pratique.
Située sur le mur principal de la mairie et de la bibliothèque du village de Saint Bauzely dans le Gard, cette fresque collaborative de Maye et Tom Wild Sketch (Sock) invite les passants et plus particulièrement les enfants, à l’évasion, au rêve, à la liberté. Un Saint-Exupéry steam punk entouré de dirigeables, de montgolfières et de livres volants. Une fresque très poétique qui confirme toute la virtuosité de Maye.
Galerie Itinerrance
24B Boulevard du Général d’Armée Jean Simon, 75013, Paris
Ouvert du mardi au samedi de 11h à 17h
Le Paris Saint-Germain, toujours avant-gardiste, se rapproche de nombreux artistes à la renommée internationale dans l’univers contemporain et urbain pour créer des illustrations uniques lors des grands matchs de Ligue des Champions. Ces dernières années, de belles affiches ont été réalisées par de talentueux artistes tels que Kongo, Tyrsa, So Me, Varham Muratyan, Maxime Mouysset ou encore Nicolas Malinowsky.
A l’occasion de la demi-finale de la Champions League, PSG – Manchester City, le club a demandé à l’artiste parisien Yué Wu de réaliser l’affiche du match. En trame de fond, les couleurs emblématiques du maillot du Paris Saint-Germain, Bleu, Blanc, Rouge, avec comme seul objectif pour les joueurs le ballon et la victoire finale.
Yué Wu est né à Pékin où il a grandi avec ses grands-parents dans l’Académie Centrale des Beaux-Arts, où son grand-père peintre a toujours nourri sa passion pour le dessin. Il a déménagé à Paris en France pour vivre avec ses parents à l’âge de 8 ans. Yué a ensuite étudié le graphisme et obtenu un diplôme en animation à l’ENSAD (École National Supérieur des arts Décoratifs). Aujourd’hui, il travaille depuis 2008 en tant que directeur artistique, directeur de film et d’animation, illustrateur et designer pour différents types de clients et projets. Il a également commencé une pratique artistique depuis 2013 où il explore la figuration à travers de nouveaux médiums tels que la gravure sur photos ou sur métal, la céramique, la peinture à l’eau de javel sur tissus. Ses nombreux talents lui ont permis d’avoir des expositions personnelles en galerie à Paris, Portland Oregon, Tokyo… .
En amont d’un nouvel album (Layers), S A Y C E T dévoile un court-métrage réalisé en collaboration avec la réalisatrice de films d’animation et illustratrice Julie Joseph. Ce véritable film d’animation met en scène une ville fantôme, surgie du passé où la nuit est suspendue…
Solaris est un chef-d’oeuvre qui a demandé 2 ans de travail, on peut n’écouter que la musique, ou ne regarder que le film, mais la combinaison des deux offre une expérience immersive hors de l’espace et du temps. Un rêve éveillé. Ensemble, son et images subliment le réel pour donner un objet artistique unique et onirique.
“J’ai tout de suite accroché avec la musique puissante de Saycet et j’y ai trouvé un écho à mon approche visuelle onirique. C’est donc très naturellement que j’ai voulu associer nos deux univers dans un film plus sombre, avec une totale liberté de création” Julie Joseph
Le titre de l’exposition, choisi par Johanna Odersky, fait directement référence à son contexte particulier. » Voyeuse » ne peut être vue que depuis la route, à toute heure du jour et de la nuit. Elle s’expose au regard de spectateurs qui ne l’ont pas forcément sollicité, à la manière d’un voyeur qui épie des moments intimes qui ne lui sont pas forcément offerts. La sphère domestique, qu’Odersky associe à celle de la vitrine, est traditionnellement considérée comme le lieu privilégié de ces moments d’intimité. Elle se caractérise par son ambiguïté, à la fois lieu d’oppression et de contrainte, mais aussi d’émancipation pour les « voyeusEs ». Sans titre (2016)
Galerie 1900-2000
8 rue Bonaparte, 75006 Paris (front window)
Open 24/7
Jusqu’au 9 mai 2021, la Galerie GADCOLLECTION présente à travers une sélection de 19 photographies, « Solo Show », une évasion au sein du monde de la mode des années 70 et 80. Avec son esthétique bien particulière, couleurs franches, ses ciels bleus, Jean-Daniel LORIEUX a su imposer sa marque de fabrique dans la photographie de mode. Pendant plus de deux décennies, il travaille pour les plus grands magazines de mode : Vogue, Harper’s Bazaar, L’Officiel… Christian Dior, Céline, Lanvin, Pierre Cardin, Paco Rabanne lui confient la réalisation de leurs campagnes publicitaires. Dépassant la photographie de mode ‘classique’ de nombreuses personnalités font appel à lui pour des portraits. Salvador Dali, Nelson Mandela, Serge Gainsbourg, Salma Hayek, Johnny Halliday ou encore Jacques Chirac. Mondialement connues, les photographies de Jean-Daniel LORIEUX sont montrées et exposées, pour la première fois à la Galerie GADCOLLECTION.
4 Rue du Pont Louis Philippe
75 004 PARIS
+33 (0) 1 43 70 72 59
info@gadcollection.com
www.gadcollection.com
Heures d’ouverture
Mardi au vendredi, de 14h à 19h
Samedi et dimanche de 14h30 à 19h
Le M.U.R. (Modulable, Urbain, Réactif) Association fondée en mars 2003 autour de l’artiste Jean Faucheur, est engagée dans la promotion de l’art contemporain et plus particulièrement de l’art urbain. Au coeur du XIe arrondissement parisien, le M.U.R. emprunte à l’affichage publicitaire son format et son rituel.
L’association propose à des artistes urbains, de manière régulière, d’investir un panneau, situé à l’angle de la rue St Maur et de la rue Oberkampf, en collant des peintures originales de 3x8m réalisées en atelier. Il s’agit d’oeuvres éphémères selon le principe d’une affiche recouvrant l’autre. Acryliques, encres, aérosols, collages ou performances en direct, les modes d’intervention sont libres et multiples.
L’installation éphémère de Romain Froquet (Galerie Joël Knafo) est visible jusqu’au 29 avril 2021
La World Photography Organisation a le plaisir de révéler les grands gagnants des prestigieux Sony World Photography Awards 2021. Le titre de Photographe de l’année, assorti de sa récompense de 25 000 dollars et d’un équipement photo Sony, est attribué au brillant documentariste Craig Easton (Royaume-Uni) pour sa série Bank Top.
Bank Top est le résultat de l’initiative du musée et galerie d’art de Blackburn, Kick Down the Barriers, un projet lancé en réponse à des articles de presse décrivant la ville comme « la plus isolée de Grande Bretagne ». Dans le but de contester ce portait, le musée a invité des artistes et des écrivains à collaborer avec les habitants de divers quartiers pour présenter une représentation fiable et authentique de leurs communautés.
Pendant un an, Easton et Hafiz ont travaillé en étroite collaboration avec les habitants pour explorer leurs histoires et leurs expériences à travers une série de portraits en noir et blanc commentés. Leur travail met en lumière les problèmes de dénuement social, de logement, de chômage, d’immigration et de représentation, ainsi que l’impact des politiques étrangères passées et actuelles. Il combat les généralisations simplistes et vise à contextualiser comment ces communautés se sont réunies et à mieux comprendre comment elles s’épanouissent ensemble aujourd’hui.
M. Easton commenter ainsi son prix : Je suis ravi que ce travail soit salué par les Sony World Photography Awards. Je photographie pour apprendre, pour essayer de comprendre, pour documenter et partager des histoires. C’est un privilège de pouvoir le faire et de remettre en question les perceptions et les stéréotypes, ce combat m’est particulièrement cher. C’est merveilleux que ces histoires de communautés insuffisamment ou mal représentées du nord de l’Angleterre, au sein desquelles je vis, soient connues et reconnues dans le monde entier. Merci.
La Cohle Gallery participera à la vente caritative « Le Printemps des étudiants » organisée par TAJAN à l’initiative de Laurence Benaïm et de Romain Monteaux-Sarmiento du 4 au 11 mai 2021. Cette vente a pour objectif de soutenir l’association CO’P1 – Solidarités Étudiantes, qui vient en aide aux étudiants précaires. Ours d’honneur à Berlin pour l’ensemble de sa carrière en 2019, Charlotte Rampling a accepté d’être la marraine de cet évènement.
Pour l’occasion, la Cohle Gallery a mis aux enchères une oeuvre de l’artiste contemporain new yorkais Adam Handler intitulée Lost under empty promises ghost (2020) en pastel et crayon sur papier de 31×23 cm (hors cadre).
En attendant la réouverture de ZOO XXL les équipes du ZOO ART s’activent pour continuer le show. Elles déploient même les grands moyens avec la création à Lyon de la plus grande fresque participative d’Europe. Le projet a débuté le 1er avril avec des tags proposés par toutes et tous sur le site de l’événement. Jusqu’au 4 Septembre 2021, ce sont les 6 façades de 2 bâtiments et une surface de plus de 3000m2 qui seront recouvertes d’une saturation géante faite de 100 000 tags réalisés par un artiste marathonien mystère dont l’identité sera révélée au grand public en même temps que l’oeuvre et son emplacement à la rentrée 2021.
Plus loin qu’une performance artistique d’anthologie, ZOO UNITED WALL permet aux Lyonnais de lancer un message géant aux yeux du monde en cette période de séparation, de se réunir autour d’une oeuvre hors norme, de s’exprimer, et faire plaisir… en faisant inscrire par l’artiste un prénom, un message, une humeur, une citation… sans aucune censure.
Comment se déroule les participations et réservations de tags ? Sur la plateforme SEETICKETS via le site du ZOO ART SHOW, toutes et tous sont invité(e)s à régler la somme de 5 euros pour faire inscrire jusqu’à 10 mots de leur choix sur la fresque.
Une fois le mur terminé, les participants recevront :
– une photo unique de leur tag
– un pass exclusif pour découvrir l’oeuvre les 4 et 5 septembre 2021
– un accès exclusif et illimité à la visite 3D de l’oeuvre
– un accès exclusif aux ventes privées du projet (série limitées d’art)
Cette création gigantesque et titanesque préfigurera une nouvelle exposition du Zoo Art Show qui fera suite à la fermeture définitive de Zoo XXL lorsque le bâtiment actuellement exploité rue Boileau sera réhabilité. D’ici là les équipes et artistes espèrent pouvoir à nouveau faire découvrir ZOO XXL, ce musée éphémère pas comme les autres. Et ce, dès le printemps si les mesures gouvernementales le permettent. Infos et site de réservations: https://www.zooartshow.com
Le Château de Fontainebleau présente l’exposition « Art et diplomatie. La collection d’objets japonais du château de Fontainebleau » du 4 juin au 20 septembre 2021.
Inaugurée à l’occasion de la tenue du Festival de l’histoire de l’art, du 4 au 6 juin 2021 à Fontainebleau, sur le thème du plaisir et avec pour pays invité : le Japon. À la croisée de deux univers, l’exposition est le résultat de découvertes inédites faites par une équipe de chercheurs et conservateurs français et japonais. Elle présentera au public des cadeaux diplomatiques offerts par l’avant-dernier Shôgun Iemochi à Napoléon III lors de deux ambassades japonaises en 1862 et 1864. Un temps exposé et admiré, cet ensemble d’œuvres d’art a par la suite été rangé dans les réserves du château et progressivement oublié. Au programme de ces trois jours de festivités à Fontainebleau, de nombreux évènements sont attendus pour célébrer le thème du plaisir et le pays du soleil levant, en présence de nombreux artistes et invités de marque : tables rondes, conférences, ateliers de mangas, projection de films, salon du livre, spectacles…
Faire tapisserie : «rester à sa place en étant réduit.e à un objet décoratif» ou « ne pas être invité.e à danser»…Comme un pied de nez à cette expression désuète, Aurélia Jaubert ainsi que les artistes conviés à participer à cette exposition, Clarence Guena, Benoit Jammes, Silvana Mc Nulty, Bérénice Szajner, Emmanuelle Villard, Paul Yore, replacent la tapisserie au coeur des enjeux et des questionnements contemporains.
En réutilisant des fragments de canevas ou de tapisseries mais aussi certains codes artistiques attachés à cette pratique puis en les détournant, ces artistes réaffirment la capacité créative de ce médium. Ainsi la tapisserie n’est plus seulement cet objet décoratif et populaire mais redevient un art « noble » grâce auquel l’artiste témoigne de son regard contemporain sur le monde et ses représentations, souvent avec humour.
Aurélia Jaubert présente également trois autres de ses séries liées au textile : Mixtape (2015-2016), SUPER VHS (2014-2017), et Rebuts d’atelier (2007-2010). Ces séries témoignent de ses recherches sur la matière détournée et anoblie, sur les changements d’échelle et les différentes formes de représentation.
Exposition du 26 juin au 29 août 2021
Vernissage public : vendredi 25 juin à 18h30
Ouverture : du mardi au dimanche de 14h à 18h, entrée libre et gratuite
Visite libre – entrée gratuite et sans réservation
Manufacture Roubaix, Musée de la Mémoire et de la Création Textile
29 Avenue Julien Lagache, 59100 Roubaix
Du 8 avril au 8 mai 2021, Opera Gallery consacre pour la première fois une exposition personnelle au peintre Pierre Soulages. Pour l’occasion, la galerie parisienne dévoile 12 toiles emblématiques de l’artiste illustrant sa période Outrenoir, un concept forgé par le peintre et qui définit la part la plus importante de son œuvre.
Maître incontesté de la peinture au noir, d’une abstraction radicale au service de la matière et de la lumière, Pierre Soulages (né en 1919) est l’une des dernières grandes figures de l’art moderne. Le noir est chez Soulages une quête. Il radicalise l’usage de cette couleur dans son œuvre à partir de 1979 en le détaillant ainsi : « la totalité de ce pigment recouvre la toile, mais je ne travaille pas avec ce pigment, aussi bizarre que cela puisse paraître. Ce qui m’intéresse, c’est la réflexion de la lumière sur les états de surface de cette couleur noire, états de surface qui varient », en fonction des stries, des coups de brosse qu’il va apposer.
L’intégralité des 1000 m2 du rez-de-chaussée de la galerie parisienne situé au 62 rue du faubourg Saint-Honoré, lui sera consacrée. Les Outrenoirs s’y répondront afin de montrer la cohérence et les variations dynamiques du noir-lumière qui occupent depuis plus de 40 ans la vie de l’artiste.
Opera Gallery Paris – 62 rue du faubourg Saint-Honoré, 75008 Paris – paris@operagallery.com T. 01 42 96 39 00 –
Après une vingtaines d’années passées à pratiquer les expositions et les salons, Pierre Paul Marchini dénonce les abus de ce milieu élitiste, qui exploite les artistes et empêche le grand public d’acquérir des oeuvres en pratiquant des tarifs prohibitifs.
J’ai assisté à des dérives plus que douteuses dans le milieu artistique ! Des galéristes aux concepteurs de sites payants pour artistes, en passant par les organisateurs de salons, nombre d’acteurs voient l’art comme un investissement sans en apprécier la profondeur. Ils se contentent de spéculer, comme à la Bourse, et de courir après la reconnaissance… Pierre Paul Marchini
L’artiste a donc décidé de suivre une autre voie en lançant NO ARTE (marque déposée), sa propre galerie en ligne d’exposition permanente disponible sur Facebook. Son objectif : démocratiser l’accès à son art, en recréant un lien direct entre l’artiste et les amateurs d’art.
Sans titre (2016) présente « At the pawn shop », une exposition personnelle de Paula Kamps, du 13 mars au 24 avril 2021.
Les nouvelles peintures de l’artiste présentées dans le cadre sa première exposition personnelle à la galerie Sans titre (2016) intitulée « At the pawn shop, » témoignent d’un déplacement géographique radical dans la vie de l’artiste. Originaire d’Allemagne et ayant récemment déménagé à Chicago, Kamps a fait l’expérience de situations quotidiennes inédites et d’un bouleversement de son environnement qui ont influencé sa peinture. Elle relate dans ce nouveau corpus d’œuvres ce qu’elle appelle des « diary experiences ». Chaque souvenir ou scène vécus sont comme de nouveaux calques qui s’amoncèlent.
L’artiste utilise pour la première fois la technique de l’aérographe. Inventé dans les années 1880, cet appareil permet d’appliquer toute sorte de médiums (aquarelle, pigment, acrylique ou encre) sur une toile sans avoir besoin de la toucher. Cet outil, ayant la forme d’un pistolet, implique une certaine distance. Une distance que l’artiste revendique : elle relate des scènes vécues ou imagées sans jamais n’y prendre part ni s’inclure dans la narration. Cette nouvelle technique engendre aussi parfois des évènements inespérés comme une réaction chimique fortuite et accidentelle tant dans la composition même et la colorimétrie des toiles que dans la relation entre les personnages et les actions.
Paula Kamps (née en 1990, Allemagne) a étudié à la Kunstakademie de Dusseldorf auprès de Tomma Abts et d’Elizabeth Peyton. Elle a fait l’objet d’expositions personnelles au Kunstverein Heppenheim (2019), a Spazio Nea, Naples (2018) ainsi qu’au Kunsthaus Mettmann (2014). Son travail a été montré lors d’expositions collectives à Orchard32, New York (2019), à Carbon12, Dubai (2018) ou encore au Kunstverein Reutlingen (2018). En 2021, elle fera l’objet d’une exposition chez M. LeBlanc, Chicago.
Illustration : Paula Kamps, Far from the aisle, 2020, ink and crayon on canvas, 120 x 100 cm
Sans titre (2016)
Wednesday – Saturday 12 p.m. – 7 p.m.
Mercredi – Samedi 12h à 19h
L’artiste Prune Nourry a investi le Bon Marché rive gauche avec une installation monumentale L’Amazone Erogène située dans les deux atriums de l’iconique magasin parisien. Prune a réinventé le mythe des amazones à travers deux mises en scène spectaculaires : un essaim de 888 flèches dirigées vers un sein de quatre mètres en forme de cible, et un immense arc pointant une flèche tendue vers une seconde cible. Pour accompagner cette installation, Prune Nourry et Daniel Pennac ont co-écrit une chanson, Amazone Erogène, composée et interprétée par -M- featuring Ibeyi.
Le vinyle du titre Amazone Erogène sera mis en vente à partir du 12 mars sur le site de M au profit de l’Institut Curie. Prix de vente du vinyle : 25€ TTC
Parce que ce combat mené par nos amazones contemporaines, Prune Nourry l’a elle-même mené en 2016, elle a choisi de mettre en vente les 888 flèches de l’installation L’Amazone Erogène afin de financer la distribution gratuite de son livre « Aux Amazones »* écrit avec une dizaine d’experts de la santé (oncologues, psychologues, infirmières), et destiné à accompagner les femmes atteintes par un cancer du sein. (* Editions Marabout-Hachette à l’Automne 2021). Pour chaque flèche vendue, plus de vingt femmes recevront ce livre gratuitement. Les flèches sont vendues sur le site de l’artiste :www.prunenourry.com
Chaque flèche est signée et numérotée de 1 à 888
Longueur d’une flèche 126 cm.
Bois, plumes et laiton
Prix à l’unité 270€ TTC (blanche ou brune au hasard)
Prix par deux (une blanche et une brune) 490€ TTC
La Bim Bam Gallery présente “Sweet Dreams & Demon’s Tears” le double solo show de Rachel Hayden et Heather Benjamin. Pour chacune de ces deux artistes vivant à New-York, il s’agit de leur première exposition personnelle en France. Des mines paisibles ornées de papillons ou de fleurs de Rachel Hayden aux voluptueuses déesses combatives de Heather Benjamin, résulte une considération commune pour le symbolisme comme vecteur d’émancipation.
BIM BAM GALLERY
66 rue Charlot 75003 Paris
Exposition du 11 au 20 mars 2021
Ouvert du mardi au samedi de 11h à 18h
Baimba Kamara
bimbam.gallery
instagram.com/bimbam.gallery
À l’occasion de son exposition solo du 18 au 27 mars 2021 « Grow Up » à la Cohle Gallery, l’artiste Le Floch Loïc aka FenX présentera une série de petites toiles de 30×40 cm reprenant les covers emblématiques du magazine Playboy. Ces toiles seront ensuite vendues dans un coffret avec le magazine original.
Travailler ce sujet évoque aussi pour lui le passage de l’adolescence à l’adulte et la découverte de la vie. Le souvenir de la découverte étant jeune de magazines tels que Playboy. Selon lui, la personne qui devient adulte ne s’intéresse plus à ce type de magazine. En revanche, il va rester pour ceux qui n’ont pas vraiment grandit et sont restés dans un entre deux. Pour lui « l’artiste » fait partie de ces personnes qui ne deviennent jamais vraiment homme.
Cohle Gallery
17 rue Victor Massé 75009 Paris
@cohlegallery
www.cohlegallery.com
Depuis le mois d’octobre, le monde de la culture est à l’arrêt et les Parisiens ne lèvent plus les yeux sur les affiches qui animent habituellement la ville, faute de spectacles… Pour raviver la ville, Mika a voulu redonner des couleurs à Paris… Il a eu l’idée de partir à la recherche d’une soixantaine d’artistes pour habiller pendant quelques semaines les espaces d’affichage de la capitale avec des oeuvres inédites.
Avec la complicité d’Olivier Gabet, directeur du Musée des Arts Décoratifs, ils ont finalement donné carte blanche à 9 artistes. Chef d’orchestre de ce projet artistique collectif réalisé en un temps record, Mika s’est prêté au jeu en signant lui-même une affiche en collaboration avec sa soeur Yasmine Penniman.
Aurélia Durand, Laurindo Feliciano, Ugo Gattoni, Annick Kamgang, Marie Mohanna, Lamia Ziade, Alexandre Benjamin Navet, Lamarche-Ovize et Rosa Maria Unda Souki : ils renouent tous avec la longue tradition des affiches artistiques de la Belle Époque, dans les pas de Toulouse-Lautrec ou Mucha.
Grâce à la générosité de JCDecaux et de la Ville de Paris qui ont tout de suite adhéré à l’idée de Mika, ces affiches seront exposées sur les mâts-drapeaux et les colonnes Morris de JCDecaux, et sur les espaces d’affichage de la ville faisant de Paris une galerie éphémère à ciel ouvert visible durant le mois de mars.
Exposition présentée du Vendredi 9 avril au samedi 29 mai 2021
L’Appart Renoma 129 bis rue de la Pompe, Paris 16
Ouverture du mardi au samedi, de 10h à 18h
Cet accrochage, partition croisée de trois artistes, réunit des photographies de Maurice Renoma, une sélection de toiles de William Bakaimo et Famakan Magassa ainsi que des œuvres fusion créées spécialement pour cet événement. Entre fantasme et réalité, humour et fatalisme, Maurice Renoma, William Bakaimo et Famakan Magassa mettent en scène l’Homme face à ses limites et ses démons, sa nature destructrice et l’impact d’une société contemporaine intrinsèquement pervertie.
Disponible aujourd’hui (17,02,2021) à 19h exclusivement sur la boutique en ligne
Shepard Fairey, Sérigraphie The Liberté, signée, numérotée, édition de 650, 46 x 61 cm, 2021.
Galerie Itinerrance
+33 1 44 06 45 39
contact@itinerrance.fr
itinerrance.fr
24 b bd du Général Jean Simon
75013 Paris
Du 4 mai 2021 au 30 janvier 2022, la Fondation groupe EDF présente Fake News : Art, Fiction, Mensonge, une exposition inédite en France réunissant les œuvres d’artistes français et internationaux qui alertent et interrogent sur la prolifération de fausses informations dans notre monde hyperconnecté tout en bousculant notre esprit critique. Née d’un commissariat collectif réuni par Laurence Lamy, Déléguée Générale de la Fondation, cette exposition propose une déambulation artistique et pédagogique entre réalité, interprétation et perception pour comprendre et décrypter la mécanique d’une fausse information…
De la fausse Une du New York Times par les Yes Men aux deep fakes du duo Bill Posters/ Daniel Howe, en passant par l’imprimante à fake news de Tsila Hassine et Carmel Barnea Brezner Jonas, l’exposition convoque les dessins, peintures, sculptures, installations, photos et vidéos d’artistes qui jouent avec les représentations du monde pour initier les visiteurs, et particulièrement les plus jeunes, aux enjeux contemporains de l’infox.
FONDATION GROUPE EDF
6, rue Juliette Récamier
75007 Paris
M° Sèvres-Babylone
Entrée libre du mardi au dimanche
12h-19h (sauf jours fériés)
Tél. : 01 40 42 35 35
fondation.edf.com
#FakeNews
#ChangeonsPourLesGenerationsFutures
À l’occasion de la sortie du film « I Invade Djerba, an adventure of Invader » réalisé par Milan Poyet, Invader a réalisé pour la Galerie Itinerrance une toute nouvelle édition limitée de 100 exemplaires. Une carte d’invasion de Djerba brûlée à la main, numérotée, datée et signée par l’artiste. La vente exclusive en édition limitée sur la boutique en ligne de la galerie, se fera le mardi 5 janvier 2021… Cependant l’heure de mise en ligne sera annoncée prochainement …
Cette édition signée de la « Carte d’invasion de Djerba » a été brulée à la main par l’artiste afin d’imiter les vieilles cartes de pirates. Chaque exemplaire est unique par la forme des brulures. Elle est imprimée sur un papier épais et non plié.
Carte d’invasion de Djerba, Invader
Impression offset sur papier épais
Édition limitée de 100
Dimensions – 42 × 60 cm
Brulée à la main, numérotée, datée et signée par l’artiste
Limitée à un exemplaire par foyer/adresse*
+33 1 44 06 45 39
contact@itinerrance.fr
itinerrance.fr
24 b bd du Général JeanSimon
75013 Paris
Ouverture le dimanche 13 décembre de 14h à 18h avec 40 galeries participantes à marais.guide
Exposition jusqu’au 6 février.
1983, Speedy Graphito réalise ses premiers pochoirs sur les murs de Paris
1985, première exposition personnelle à la galerie Polaris
2020, quatorzième exposition personnelle à la galerie Polaris
Galerie Polaris
15, rue des Arquebusiers 75003 Paris
Tél. 00 33 (0)1 42 72 21 27 / Mob. 00 33 (0)6 12 22 77 15
www.galeriepolaris.com
Illustration : Speedy Graphito, Spiritual Requiem, Acrylique sur toile, 130 x 180 cm, 2020
MAISON LEJABY célèbre ses 90 ans en donnant une carte blanche artistique à 9 photographes. Ces 9 clichés seront vendus aux enchères via la plateforme WE GIVE COLLAB au profit de l’association ENTOURAGE.
Réparties en 3 sessions de 3 artistes, les ventes se tiendront du 27 novembre au 14 décembre selon le calendrier ci-dessous : du vendredi 27 au lundi 30 novembre, du vendredi 4 au lundi 7 décembre, du vendredi 11 au lundi 14 décembre
L’exposition anniversaire, abrégée pour des raisons sanitaires, présentait les œuvres de cinq photographes français : Olivier Amsellem, Keffer, Estelle Rancurel, Thierry Lebraly et Artus de Lavilléon ; ainsi que celles de quatre photographes étrangers : Agata Pospieszynska (Pologne), Conor Clinch (Irlande), Alex Franco (Espagne) et Marie Wynants (Belgique).
https://www.maisonlejaby.com
Ecoute Respire // Bleu est un film écrit et réalisé par Jossia Clément et Ilia Osokin. Tourné à huis clos dans les espaces du musée national Marc Chagall, le film est une métaphore, en quatre actes, du processus de création. La danse, l’art textile, la musique et la poésie sont ici convoqués pour célébrer la naissance du geste créateur et son pouvoir d’incarnation dans la matière et l’esprit.
« Je suis bleu » disait Marc Chagall (1887-1985) dont l’œuvre, joyeuse et inventive, conjugue hymne à la couleur et message à la portée universelle. C’est au cœur de son musée, lieu d’accueil du cycle peint Le Message Biblique et du vitrail de La Création du monde, que le duo d’artistes propose de rejouer le cycle de la création, au carrefour des territoires artistiques et des cultures du monde.
Rendez-vous à 21h pour la diffusion du film (30 minutes), en présence de Jossia Clément, Ilia Osokin et Gaïdig Lemarié, responsable des partenariats culturels pour les musées nationaux du XXe siècle des Alpes-Maritimes : https://www.youtube.com/channe
Paris, le 13 novembre 2015 Du jour au lendemain… Une exposition en plein air, sur les grilles du Jardin May-Picqueray (ex-square du Bataclan) entre le 13 novembre 2020 et le 3 janvier 2021, un livre / catalogue d’exposition, une campagne #Journaldu13 qui incite chacun qui le souhaite à partager une image (un souvenir de cette journée, ou une image en réponse à cette tragédie) sur les réseaux sociaux. Il s’agit à travers cette campagne de créer un espace virtuel de mémoire collective et photographique en hommage aux victimes.
Liste des artistes photographes participant à l’exposition et au catalogue :
Todd Hido
Evangelia Kranioti
Letizia Le Fur
Sze Tsung Nicolás Leong
Nicola Lo Calzo
Safaa Mazirh
Sarah Moon
Paulo Nozolino
Richard Pak
Catherine Poncin
Pauline Rousseau
Maurice Schobinger
Klavdij Sluban
SMITH
Fred Stucin
Laure Tiberghien
Laure Vasconi
Sabine Weiss
Hannah Whitaker
Matt Wilson
Sophie Zénon
Antoine d’Agata
Nikos Aliagas
Jane Evelyn Atwood
Jean-Christophe Béchet
Carolle Benitah
Jacques Borgetto
Bruno Boudjelal
Jean-Christian Bourcart
Anne-Lise Broyer
Lorenzo Castore
Philippe Chancel
Clara Chichin
Ricky Dávila
Stefano De Luigi
Mathias Depardon
Claudine Doury
Stéphane Duroy
FLORE
Hicham Gardaf
Samuel Gratacap
Brian Griffin
13onze15 – Fraternité & Vérité : L’association “13onze15 : Fraternité et Vérité” a été créée le 9 janvier 2016, par des victimes et proches de victimes des attentats survenus le 13 novembre 2015 à Paris et Saint-Denis. Elle est régie par la loi du 1er juillet 1901, est à but non lucratif et s’engage à rester indépendante de tout mouvement politique ou religieux. Reconnue d’intérêt général, elle a été agréée par le ministère de la Justice pour pouvoir se porter partie civile, particulièrement dans l’instruction des attentats du 13 novembre 2015. Son but est de défendre les victimes et les proches de victimes des attentats de Paris et de Saint-Denis du 13 novembre 2015. Proposer une aide et un soutien mutuel. Organiser des actions mémorielles pour lutter contre l’oubli. Participer au processus judiciaire et aux retours d’expérience. Contribuer à la manifestation de la vérité et participer activement à la prévention du terrorisme. Tous les adhérents de l’association sont des victimes directes ou proches de victimes des attentats du 13 novembre 2015.
« VIVRE, Graffiti sur le mur de la cokerie », Drocourt, France, 1992 © Jane Evelyn Atwood
Une exposition virtuelle à voir à partir du 10 novembre uniquement sur : https://www.faceszine.com/desconcertspop
Nicolas Vidal est chanteur et photographe. Après avoir sorti 3 album (« Des ecchymoses » en 2011, « Les nuits sereines n’existent pas » en 2016 et « Bleu Piscine » en 2018), il crée Faces Zine en 2017, un webzine pop en noir et blanc pour lequel il interviewe et photographie des musicien.ne.s, leur consacrant de longs portraits. Il travaille actuellement sur « Ma mère s’appelle Françoise », un projet sur Françoise Sagan et un nouvel album.
Afin de célébrer la thématique de l’année The Sound Maker qui rend hommage à l’art du son en horlogerie, Jaeger-LeCoultre présentera une nouvelle « sculpture sonore », œuvre née de la collaboration entre Jaeger-LeCoultre et l’artiste suisse contemporain Zimoun. Cette nouvelle œuvre d’art sera exposée à travers le monde, après son inauguration en Chine cet automne.
« 1944 prepared dc-motors, mdf panels 72 x 72 cm, metal discs Ø 8cm, 2020 » (1944 moteurs à courant continu préparés, panneaux de fibres à densité moyenne de 72 cm x 72 cm, disques de métal de 8 cm de diamètre, 2020).
L’œuvre est conçue à partir de petits moteurs à courant continu, de câbles fins, de panneaux de fibres à densité moyenne et de presque 2 000 disques de métal très fins. Ces disques sont d’ailleurs des composants d’horlogerie provenant de la Manufacture Jaeger-LeCoultre pour servir de sources sonores. Connectés aux moteurs par des câbles, les disques tournent contre les panneaux de fibres à la manière d’une pièce tombant par terre. Ce frottement produit une structure sonore d’une grande complexité et le mouvement crée une surface scintillante.
2021 marque le bicentenaire de la naissance de Gustave Flaubert (1821- 1880). L’occasion, pour la RMM, de déployer un vaste programme de célébrations ! Du 23 avril au 19 septembre 2021, le Musée des Beaux-arts de Rouen présente Salammbô, une exposition inspirée du roman flaubertien éponyme, paru en 1862. Fureur, passion, désir, trahisons et… éléphants traversent cette géniale épopée qui fait voyager le public en terre punique, trois siècles avant J.-C.
Pour mener à bien cet ambitieux projet, le musée des Beaux-Arts a choisi de s’associer au Mucem, à Marseille, qui accueillera l’exposition à l’automne 2021, mais aussi à l’Institut national du patrimoine de Tunisie, qui a permis le prêt d’exceptionnels chefs-d’œuvre archéologiques émanant du site de Carthage. Le Musée national du Bardo accueillera enfin l’exposition, marquant le retour de Flaubert en Tunisie au printemps-été 2022.
Résolument transdisciplinaire, art, littérature, opéra, cinéma, bande dessinée, archéologie, l’exposition se déroule en trois temps. On trouve d’abord les sources sur lesquelles Flaubert a pu s’appuyer, du mythe de Carthage tel qu’on le connaît à travers Didon ou l’histoire des guerres puniques, aux débuts de l’archéologie carthaginoise.
L’exposition réunira environ 250 œuvres, objets, images, issus des collections publiques et privées françaises et européennes, dont le musée du Louvre, la Bibliothèque nationale de France, le Musée National d’Art Moderne- Centre Pompidou, le musée d’Archéologie méditerranéenne de Marseille, le Cabinet des Médailles de Marseille, les musées de Rouen, Munich et Berlin… https://mbarouen.fr/fr
Salammbô, Roman de Gustave Flaubert
Fille d’Hamilcar et servante de la déesse Tanit, Salammbô donne son nom au roman, et il s’agit bien pour Flaubert de raconter l’amour brut qui l’attache à Mâtho, le chef des mercenaires employés par Carthage dans sa guerre contre les Romains ; le destin des deux héros est pris dans le tumulte de batailles et de cruautés auquel donne lieu, près de trois cents ans avant Jésus-Christ, la révolte des mercenaires au retour du combat. En 1856, Madame Bovary avait été un considérable événement littéraire. Six ans plus tard, le deuxième roman de Flaubert, très attendu, suscita pourtant des réactions contradictoires : beaucoup le jugèrent incompréhensible, lesté d’une érudition historique excessive, et finalement ennuyeux ; d’autres au contraire s’enthousiasmèrent pour son originalité profonde et sa puissance d’évocation. Ce que Salammbô pouvait alors offrir d’étrange ne s’est pas effacé, mais l’évidence, s’est imposée d’une beauté jusqu’alors inédite en littérature – la beauté d’une fable où la violence de l’Histoire se trouve somptueusement mise en scène.
Collection Classiques dirigée par Michel Zink et Michel Jarrety.
Édition préfacée, annotée et commentée par Jacques Neefs.
https://www.livredepoche.com/livre/salammbo-9782253160939
Les musées de la Ville de Paris proposent à tous les amateurs d’art de venir profiter des collections et des expositions… En ligne !
Le site des collections de Paris Musées qui rassemble plus de 330 000 œuvres en ligne propose aujourd’hui de profiter de nouveaux parcours thématiques, de plus de 160 000 œuvres Open Content téléchargeables en haute définition et d’un parcours ludique pour les plus jeunes avec Museosphère.
Pour les plus curieux, les musées de la Ville de Paris proposent des cours d’Histoire de l’art en ligne à la demande : Les Paris de l’art, un cycle de 26 séances thématiques dresse un panorama de l’histoire des arts, de l’Antiquité à nos jours, en s’appuyant notamment sur les collections des 14 musées municipaux.
Pour aller plus loin, il est aujourd’hui possible d’accèder à tous les podcasts des musées de la Ville de Paris sur la chaîne Soundcloud de Paris Musées.
Et feuilletez une sélection de catalogues d’exposition en ligne en attendant de découvrir les nouveautés beaux-livres en librairie.
https://www.museosphere.paris.fr/musee/musee-dart-moderne/delaunay
Du 12 au 28 novembre, la Cohle Gallery présentera « Artéfacts », la dernière exposition de Monkeybird, dans sa galerie située au 17 rue Victor Massé 75009 Paris, en plein coeur de Pigalle. Pour ce collectif, le nom de cette exposition « Artéfacts » est lié à l’idée d’un objet reliquaire et porteur de mémoire. En étudiant ce mot, on constate que sa signification est complexe et son usage pluriel, presque contradictoire. Selon son domaine d’emploi, il peut aussi bien définir un produit ayant subi une transformation par l’homme, qu’une erreur ou un effet indésirable.
Pour Monkeybird, ce n’est plus la mémoire des vainqueurs de la guerre qui perdure, mais celle des femmes et des hommes qui ont subsisté au gré des saisons dans la persévérance, la cohésion et l’humilité. Les fragments d’outils, les sols travaillés et les stigmates dans les roches communiquent dans un langage commun, offrant aux générations futures une grille de lecture et le panorama d’une civilisation qui se délivre des préjugés. Les deux artistes nous amènent alors à nous questionner sur notre génération et ce qu’elle laissera à son tour. Si quelqu’un un jour étudie notre strate géologique, cette dernière révélera sans doute un amas d’artéfacts dans toute leur complexité sémantique, entre «reliques», «artifices» et «erreurs». https://www.cohlegallery.com
L’exceptionnelle trajectoire humaine, artistique et politique de Tina Modotti (1896-1942), photographe et militante révolutionnaire, amie et interlocutrice de peintres tels Frida Kahlo et Diego Rivera mais aussi mannequin et actrice du cinéma muet à Hollywood, a fait d’elle l’une des artistes les plus célèbres du XXe siècle. En collaboration avec l’association Cinemazero, l’exposition Tina Modotti : photographie, liberté et révolution reconstitue à travers une quarantaine de clichés, de vidéos et d’autres documents le parcours de l’artiste ainsi que sa recherche formelle, dont l’originalité a laissé une trace profonde dans l’histoire de la photographie de la première partie du XXe siècle. L’exposition s’articule autour de quatre sections : à côté des œuvres les plus connues – natures mortes, portraits de paysans mexicains et de la photographe elle-même – s’affichent les clichés plus intimistes dédiés aux femmes et aux enfants.
Du 28 octobre au 25 novembre 2020 En collaboration avec l’association Cinemazero, avec le soutien de la Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia, Comune di Pordenone
Dans le cadre du Festival du festival PhotoSaintGermain
Institut Culturel Italien, 50 rue de Varenne, 75007 Paris
Du lundi au vendredi de 10h à 13h et de 15h à 18h et en soirée lors des manifestations. Entrée libre https://iicparigi.esteri.it/IIC_Parigi/fr
Tina Modotti en 1919 © Getty / Galerie Bilderwelt / Hulton Archives
