Aston Martin s’associe à l’artiste Anthony James pour présenter une sculpture lumineuse monumentale intitulée « Reflections of Speed« , inspirée par la nouvelle Vanquish.
Dévoilée en avant-première au Château Marmont à Hollywood dans le cadre du prestigieux festival d’art contemporain Frieze LA.
Hommage à l’alliance parfaite du design, du savoir-faire et de l’élégance intemporelle, cette œuvre immersive célèbre la puissance et l’esthétique iconique d’Aston Martin.
L’Inspiration : Quand la Vanquish Devient une Œuvre d’Art
Présentée comme le sommet de l’ingénierie et du design automobile, la nouvelle Vanquish transcende son statut de sportive pour devenir une véritable œuvre d’art. Inspiré par ses lignes fluides et son élégance inégalée, Anthony James a créé une sculpture lumineuse immersive de 5,4 par 2,6 mètres, captivant les spectateurs avec un jeu ingénieux de lumière et de reflets.
Marek Reichman, Executive Vice President et Chief Creative Officer explique : « La Vanquish est plus qu’une simple voiture de sport, c’est une sculpture en mouvement. Façonnée pour susciter l’émotion, elle incarne une véritable élégance contemporaine qui inspire et captive… »
Reflections of Speed : Une Sculpture Lumineuse Monumentale
Créée en 12 mois dans le studio de l’artiste à Los Angeles, « Reflections of Speed » utilise des matériaux modernes et des technologies avancées pour refléter à l’infini les courbes et les lignes de la Vanquish.
Anthony James, reconnu pour ses sculptures lumineuses explorant l’espace et le temps, utilise des miroirs parallèles et des LED pour créer un effet de profondeur hypnotique, donnant l’illusion d’un tunnel de lumière sans fin.
« Cette collaboration avec Aston Martin est mon œuvre la plus ambitieuse à ce jour. Elle célèbre le design exceptionnel de la Vanquish en fusionnant ingénierie et expression artistique. »
L’Art et l’Automobile : Une Symbiose Parfaite
Cette pièce unique reflète l’ADN d’Aston Martin : l’innovation, l’élégance intemporelle et l’attention aux détails. En tant que modèle le plus puissant de l’histoire d’Aston Martin, la Vanquish est une œuvre d’art à part entière, tout comme la sculpture monumentale d’Anthony James.
« Chaque création d’Aston Martin commence comme une esquisse artistique avant de devenir une sculpture en mouvement. Cette collaboration avec Anthony James célèbre cette relation intime entre l’art et l’ingénierie. » – Benjamin Sutton, The Art Newspaper
Exposition et Héritage Artistique
« Reflections of Speed » a été dévoilée dans un cadre intime à Hollywood, aux côtés de la communauté artistique et des passionnés d’Aston Martin. Après Frieze LA, la sculpture sera exposée au Petersen Automotive Museum, avant d’être mise en vente pour soutenir le LA Arts Community Fire Relief Fund, en aide aux artistes touchés par les récents feux de forêt à Los Angeles.
À propos d’Aston Martin
Fondée en 1913, Aston Martin incarne l’élégance, le luxe et la performance. Reconnue mondialement pour son style britannique inimitable, la marque allie technologie de pointe, artisanat traditionnel et design intemporel. Avec une gamme de modèles emblématiques, dont la Vantage, la DB12, la Vanquish et le DBX707, Aston Martin continue de redéfinir le luxe automobile.
À propos d’Anthony James
Né en Royaume-Uni et basé à Los Angeles, Anthony James est un artiste contemporain de renom, reconnu pour ses sculptures lumineuses immersives qui explorent l’espace, le temps et la perception. Son style unique mêle lumière, géométrie et matériaux modernes, créant des expériences visuelles hypnotiques et intemporelles.
Un Chef-d’Œuvre Éternel
À l’instar de la Vanquish, conçue pour transcender les tendances et inspirer les générations futures, « Reflections of Speed » est une œuvre d’art qui repousse les limites du possible. Elle célèbre l’union parfaite de l’art et de l’ingénierie, marquant une étape majeure dans l’histoire d’Aston Martin et de l’art contemporain.
Retrouvez plus de détails sur l’œuvre « Reflections of Speed » et l’univers d’Aston Martin sur AstonMartin.com
Un Nouveau Prix Dédié aux Artistes Femmes, en Partenariat avec la Maison Boucheron
🗓 Du 2 au 6 avril 2025 – Grand Palais, Paris
🏆 Dotation de 30 000€ pour la lauréate
L’édition 2025 d’Art Paris, en collaboration avec Marie Claire et la Maison Boucheron, marque un tournant historique dans le monde de l’art avec le lancement du Prix Her Art.
🎨 Objectif : Récompenser une femme artiste au parcours singulier et une œuvre forte qui défie les conventions.
🖌 12 artistes finalistes sélectionnées parmi les galeries participantes exposeront leurs œuvres au Grand Palais du 2 au 6 avril 2025.
📅 Délibération finale :
🏆 Le samedi 5 avril 2025, un jury prestigieux décernera le Prix Her Art à l’artiste dont le travail aura le plus marqué les esprits.
👑 Récompense :
💰 Une dotation de 30 000 €, offerte par Boucheron.
🌍 Une campagne de communication internationale orchestrée par Marie Claire et Art Paris.
✨ Pourquoi un Prix Spécial pour les Artistes Femmes ?
Marie Claire, média engagé dans la valorisation des femmes, s’associe à Art Paris et Boucheron pour créer un prix qui célèbre la place des femmes dans l’art contemporain.
📊 Quelques chiffres :
🔹 Moins de 5% des œuvres exposées dans les musées sont réalisées par des femmes.
🔹 Les artistes femmes restent sous-représentées sur le marché de l’art et les grandes expositions.
🔹 Ce prix vise à donner une visibilité accrue aux femmes artistes et à encourager leur reconnaissance dans un secteur encore inégalitaire.
💡 Un prix qui bouscule les codes et place l’art féminin au premier plan !
🎭 Un Jury Prestigieux pour Sélectionner la Lauréate
Le Prix Her Art sera décerné par un jury composé d’experts du monde de l’art, incluant :
🎨 Curateurs renommés
📰 Journalistes spécialisés
🏛 Directeurs de musées et galeries influentes
💎 Représentants de Boucheron et Marie Claire
Une reconnaissance majeure qui offre aux artistes participantes une opportunité unique de se faire connaître sur la scène internationale.
📍 Où et Quand Découvrir les Finalistes ?
📅 Dates : Du 2 au 6 avril 2025
📍 Lieu : Grand Palais, Paris
🎟 Billetterie et infos : artparis.com
Le Prix Her Art est bien plus qu’une récompense : c’est un signal fort envoyé au monde de l’art. Il marque une avancée significative dans la reconnaissance des artistes femmes et leur donne une tribune de premier plan.
🔹 Et vous, quelle artiste aimeriez-vous voir récompensée ? Partagez votre avis en commentaire !
📢 Ne manquez pas l’annonce de la lauréate le 5 avril 2025 !
LooLooLook Gallery, Paris 1er
Exposition du 6 au 31 mars 2025
Vernissage : Jeudi 6 mars à partir de 18h
L’exposition « Connexions Singulières », sous l’impulsion des curatrices Lu Dong et Alisa Phommahaxay, s’impose comme un événement incontournable du calendrier artistique parisien. Plus qu’une simple rencontre entre trois artistes aux univers distincts, cette exposition crée un véritable dialogue entre l’Asie et la France, à travers une vision contemporaine et immersive de l’art.
Un Trio Artistique aux Horizons Multiples
L’exposition met en lumière trois artistes aux identités fortes, dont le travail explore des thématiques universelles tout en adoptant une approche singulière.
ALL (France) : Minimalisme et Émotion Universelle
Silhouettes intemporelles, formes épurées et évocation de l’enfance
Avec un style graphique épuré et percutant, ALL façonne des figures universelles qui traversent les cultures et générations. Son approche minimaliste joue sur les émotions brutes et l’imaginaire collectif, offrant des œuvres qui résonnent de manière intime avec chaque spectateur.
Zlism (Hong Kong) : Un Univers Onirique et Fantastique
Créatures colorées, poésie urbaine et évasion artistique
En s’inspirant du monde de l’enfance et du rêve, Zlism construit un univers fantasmagorique où se croisent personnages étranges et scénarios surréalistes. Son travail rappelle l’univers des contes modernes et interroge notre rapport à l’imaginaire dans une société urbaine ultra-codifiée.
Tommy Knuts (France) : Chaos et Harmonie Visuelle
Enchevêtrements graphiques, exploration des rapports humains
Tommy Knuts propose une approche plus brute, où le détail et la complexité des compositions traduisent les tensions de la vie contemporaine. Ses œuvres mêlent chaos et équilibre, explorant les liens invisibles qui nous connectent les uns aux autres.
Un Pont Culturel Entre Deux Continents
Cette exposition ne se limite pas à juxtaposer des œuvres : elle s’inscrit dans une volonté de tisser des connexions profondes entre l’Asie et la France. Lu Dong et Alisa Phommahaxay, véritables passeuses de culture, orchestrent cette rencontre artistique singulière, où chaque univers dialogue avec l’autre dans une harmonie esthétique fascinante.
Les rapports entre l’Orient et l’Occident ont toujours influencé le monde de l’art, et « Connexions Singulières » illustre cette dynamique avec une modernité captivante.
Pourquoi ne pas manquer cet événement ?
Une exposition immersive et inédite en plein cœur de Paris
Un dialogue artistique qui transcende les frontières culturelles
Des artistes aux styles puissants et distincts
Une opportunité de découvrir les nouvelles tendances de l’art contemporain international
Infos Pratiques
Exposition du 6 au 31 mars 2025
Vernissage : Jeudi 6 mars à partir de 18h
LooLooLook Gallery, 12 rue de la Sourdière, 75001 Paris
Horaires :
Lundi, Mardi, Jeudi, Vendredi, Samedi : 11h-13h / 14h30-19h
Mercredi et Dimanche : sur RDV
L’artiste et designer José Lévy, connu pour son dialogue constant entre les cultures française et japonaise, a été nommé Directeur de la Création du Pavillon France à l’Exposition Universelle Osaka 2025. Cet événement prestigieux, prévu du 13 avril au 13 octobre 2025, réunira 160 pays et 28 millions de visiteurs autour du thème « Concevoir le futur, imaginer notre vie de demain ».
Une collaboration poétique et humaniste
José Lévy apportera une touche poétique et un hymne à l’amour à travers le design des espaces publics et professionnels du Pavillon, en complément de l’exposition permanente. Son approche se concentre sur les arts décoratifs français et japonais, tout en intégrant la beauté naturelle des deux pays. Selon Jacques Maire, Commissaire général du Pavillon France :
“Sa grande connaissance de la culture japonaise et française, ainsi que sa dimension humaniste, donnent toute sa pertinence à cette collaboration inédite pour le Pavillon France.”
Une immersion dans le dialogue Franco-Japonais
Pour José Lévy, le Japon a toujours été une source d’inspiration. De Shibuya aux plages d’Okinawa, en passant par les forêts volcaniques de Yakushima, il célèbre la beauté, la rigueur et l’épure de cette culture fascinante. Sa mission pour le Pavillon France est d’offrir une vision réaliste et poétique de la création française, en explorant des disciplines variées : design, musique, arts floraux, et bien plus encore.
Un événement marquant : Les 10 ans des Résidences Métiers d’Art à la Villa Kujoyama
En parallèle, José Lévy dirigera la scénographie de l’exposition célébrant les 10 ans des Résidences Métiers d’Art à la Villa Kujoyama, avec le soutien de la Fondation Bettencourt Schueller. Cette exposition immersive mettra en lumière le dialogue entre savoir-faire français et japonais, ainsi que l’impact de la Villa sur les artistes résidents.
À propos de José Lévy
Artiste pluridisciplinaire, José Lévy a collaboré avec des institutions renommées telles que la Manufacture de Sèvres, Hermès et Roche-Bobois. Ses créations, exposées au musée Guimet, au Palais de Tokyo et au Petit Palais, reflètent un mariage unique entre fantaisie et rigueur. Sa fascination pour le Japon, héritée de ses grands-parents, nourrit l’ensemble de son œuvre.
L’Expo Universelle Osaka 2025 : Un événement planétaire
L’Exposition Universelle Osaka 2025, située sur l’île artificielle Yumeshima, sera un rendez-vous exceptionnel avec un thème visionnaire divisé en trois sous-thèmes : « Sauver des vies », « Inspirer des vies », « Connecter des vies ». Le Pavillon France, implanté dans la zone “Inspirer des vies”, mettra en avant les innovations et savoir-faire français, tout en célébrant le lien indéfectible entre la France et le Japon.
L’exposition « S’éclairer sans fin » au Musée de la Chasse et de la Nature rencontre un succès exceptionnel, à la fois critique et public. À cette occasion, une collaboration unique avec JBE Books donne naissance à un ouvrage captivant célébrant l’univers poétique et émouvant de Edi Dubien.
Un hymne à la nature et à l’humanité
L’ouvrage, préfacé par le metteur en scène Thomas Jolly, explore les thèmes chers à Edi Dubien : l’identité, l’enfance et la relation entre l’humain et la nature. À travers des dessins et peintures d’une profonde sensibilité, Dubien tisse un dialogue subtil entre les enfants, les animaux et les végétaux, célébrant l’altérité, la résilience et la liberté d’être soi-même. L’artiste dépeint un monde où métamorphose et consolation coexistent, où la fragilité devient une force, et où l’amour et la vie triomphent.
Un livre événement
Titre : S’éclairer sans fin
Auteur : Edi Dubien
Préface : Thomas Jolly
Entretien : Rémy Provendier-Commenne
Format : 17 × 23 cm
Nombre de pages : 160
Disponible en version anglaise.
Commandez l’ouvrage pour découvrir une œuvre qui transforme la fragilité en force et sublime la connexion entre l’humain et la nature.
Edi Dubien : Un artiste entre deux renaissances
Né en 1963 à Issy-les-Moulineaux, Edi Dubien a vécu une double naissance, la seconde en 2014 avec la reconnaissance officielle de son identité masculine. Artiste autodidacte, il n’a cessé de revisiter son propre parcours et de poser un regard introspectif sur le monde.
Après sa première grande rétrospective « L’homme aux mille natures » au Mac Lyon en 2020, Dubien continue d’explorer des thèmes universels à travers son art, témoignant d’une humanité vibrante et profonde.
Extrait de la préface de Thomas Jolly
« Comme Orphée, Edi Dubien sait charmer les animaux.
Son œuvre nous fait pénétrer dans un bois. Sacré certainement.
Ici, l’enfance et la nature se fondent et s’empruntent mutuellement.
Les animaux, avec leur insouciance première, jouent à se déguiser…
Ils réenchantent notre aptitude à la métamorphose. »
Du 29 janvier au 28 mars 2025, la Galerie 208, installée au cœur du Mandarin Oriental, Marrakech, présente « Élévations Silencieuses », une exposition exceptionnelle consacrée à Mahi Binebine, figure majeure de l’art contemporain marocain.
Une immersion entre sculpture et peinture
Pour la première fois au Maroc, l’artiste dévoile une grande partie de ses sculptures monumentales, accompagnées de ses tableaux vibrants dans une scénographie unique. « Élévations Silencieuses » explore les paradoxes de la condition humaine : l’ombre et la lumière, l’exil et l’appartenance, la mémoire et l’oubli.
L’exposition s’inscrit dans le cadre d’événements culturels majeurs tels que la foire d’art contemporain africain 1-54 et le Festival du Livre Africain de Marrakech. À travers des matériaux bruts et des formes organiques, Mahi Binebine invite les visiteurs à une réflexion sur l’humanité et ses cycles vitaux, tout en célébrant l’émancipation et la transcendance.
Un rendez-vous privilégié avec Mahi Binebine
Le 1er février 2025, les visiteurs auront l’opportunité unique de rencontrer l’artiste lors de sessions dédiées, où des lithographies numérotées et signées seront proposées en exclusivité :
Horaires : 10h à 11h, 11h à 12h, et 12h à 13h (sur inscription).
Contact pour inscriptions :
Email : momrk-marketing@mohg.com
Téléphone : +212 5 24 29 89 63
Un espace dédié à l’art contemporain
Le M.O Studio, espace artistique du Mandarin Oriental, Marrakech, s’est imposé comme un acteur clé de la scène artistique locale, sous la direction de Patricia Chicheportiche. Avec « Élévations Silencieuses », l’hôtel et la galerie offrent une expérience unique où nature, architecture, et art contemporain cohabitent harmonieusement.
À propos de Mahi Binebine
Artiste multidisciplinaire né en 1959 à Marrakech, Mahi Binebine est également écrivain et cofondateur du Festival du Livre Africain de Marrakech (FLAM). Ses œuvres ont été exposées dans des institutions prestigieuses comme le Guggenheim Museum à New York. Par son engagement avec la Fondation Ali Zaoua, il œuvre pour offrir aux enfants défavorisés un accès à l’éducation et à l’art.
Informations pratiques
Dates de l’exposition : 29 janvier au 28 mars 2025
Lieu : Mandarin Oriental, Marrakech, Route du Golf Royal, 40000 Marrakech, Maroc
Horaires :
Présence de midi à 18h pendant la 1-54
Ensuite : mardis, jeudis, et dimanches, de 11h à 14h
Visites libres possibles en dehors de ces horaires
Accès : Libre
Du 24 janvier au 20 avril 2025, l’exposition « Belladone » de Tatiana Wolska, lauréate du Prix Drawing Now 2024, investit le Drawing Lab Paris. Commissariée par Marianne Derrien, cette exposition propose une expérience immersive où le dessin fusionne avec la sculpture pour interroger les cycles vitaux, le déracinement, et les formes d’émancipation.
L’Exposition : Une réflexion organique et engagée
Belladone, plante mythique associée aux sorcières, symbolise le remède et le poison, rappelant que son utilisation exige subtilité et maîtrise. À travers ce prisme, Tatiana Wolska présente une série d’œuvres graphiques et sculpturales qui unissent le familier et l’étrange, la légèreté et l’ardeur.
L’artiste travaille avec des matériaux modestes (papier déchiré, découpé, agrafé) pour créer des formes organiques et vibrantes. Son approche expérimentale met en lumière une réflexion sur notre relation au vivant, aux cycles naturels et aux processus de transformation. « Belladone » invite à explorer les liens entre le végétal et l’humain, entre le dedans et le dehors, tout en mêlant récits, dialogues et archives vivantes.
Le Prix Drawing Now : Un tremplin pour les artistes contemporains
Depuis sa création en 2011, le Prix Drawing Now récompense chaque année un·e artiste présenté·e lors de la foire Drawing Now Paris, avec une dotation de 5 000 € et une bourse de 10 000 € pour produire une exposition au Drawing Lab. Ce prix met également en avant le rôle essentiel des galeries dans la création contemporaine.
Tatiana Wolska, lauréate 2024, rejoint un palmarès prestigieux comprenant des artistes tels que Abdelkader Benchamma ou Lionel Sabatté. Sa démarche audacieuse, qui mêle graphisme et sculpture, s’inscrit dans une réflexion écologique et sociale, en valorisant des matériaux éphémères et recyclés.
Un dialogue artistique et sensoriel au cœur de Paris
L’exposition « Belladone » propose une immersion dans l’univers de Tatiana Wolska, où chaque œuvre invite à repenser notre rapport à la nature, à l’intime, et aux transformations qui façonnent nos vies. Marianne Derrien, commissaire de l’exposition, souligne : « Les œuvres de Tatiana Wolska mutent en enveloppes organiques indéfinies, créant un dialogue entre le politique et l’intime. »
Informations pratiques
Dates : Du 24 janvier au 20 avril 2025
Lieu : Drawing Lab Paris, 17 rue de Richelieu, 75001 Paris
Entrée libre
Plus d’informations : www.drawinglabparis.com
Un partenariat innovant pour une expérience artistique unique
Le monde de l’hôtellerie de luxe et celui de l’art contemporain s’unissent dans une collaboration inédite. The Peninsula, icône mondiale de l’élégance hôtelière, s’associe au Victoria & Albert Museum (V&A) de Londres, institution réputée pour ses collections d’arts décoratifs et son engagement créatif. Ce partenariat ambitieux enrichit le programme Art in Resonance de The Peninsula, en proposant des installations contemporaines dès mars 2025 à Hong Kong, coïncidant avec Art Basel Hong Kong.
Art in Resonance : une vision partagée de l’innovation artistique
Depuis 2019, le programme Art in Resonance met en lumière des artistes émergents et en milieu de carrière, leur offrant un accompagnement financier et curatorial pour créer des œuvres significatives. Avec l’expertise du V&A, ce programme franchit une nouvelle étape. Des œuvres commandées spécialement pour ce partenariat seront présentées au sein des hôtels Peninsula, offrant une vitrine unique à ces créateurs talentueux.
Une première étape à Hong Kong
La collaboration débutera avec une installation majeure au Peninsula Hong Kong, juste avant Art Basel Hong Kong 2025. Sous la direction du Dr Xiaoxin Li, Conservateur du Département Asie du V&A, l’hôtel se transformera en un espace d’exposition immersive, offrant aux visiteurs et aux clients une perspective nouvelle sur son architecture historique et ses décors intérieurs classiques. Cette exposition mettra en avant trois commandes artistiques, incarnant l’élégance intemporelle et la sophistication vibrante qui caractérisent ce partenariat.
Une mission partagée : rendre l’art accessible
« La vision créative partagée par les artistes sélectionnés incarne idéalement l’esprit de notre nouveau partenariat, » a déclaré Tim Reeve, Directeur adjoint et Directeur des opérations du V&A. Ce projet marque une étape importante dans la mission du V&A : promouvoir la créativité et le design tout en inspirant les créateurs du monde entier.
Pourquoi ce partenariat redéfinit l’expérience du luxe ?
Un mélange d’héritage et d’innovation : The Peninsula et le V&A partagent une histoire riche et un engagement envers l’excellence. Ensemble, ils proposent une expérience qui transcende les attentes traditionnelles de l’hôtellerie de luxe.
Un soutien aux artistes émergents : Ce partenariat offre une plate-forme mondiale à des créateurs talentueux, leur permettant de bénéficier d’une visibilité sans précédent.
Une expérience immersive : En exposant des œuvres d’art au sein de ses hôtels, The Peninsula transforme l’hôtellerie en un lieu d’émerveillement artistique et culturel.
Un luxe réinventé à travers l’art
Ce partenariat entre The Peninsula et le V&A réinvente la notion de luxe, en y intégrant une dimension culturelle et artistique. En plaçant l’art au cœur de l’expérience client, ce projet illustre parfaitement l’évolution du secteur vers une offre plus enrichissante et émotionnelle.
La galerie Almine Rech New York, située dans l’Upper East Side, célèbre l’œuvre unique de Marie Laurencin avec une exposition intitulée « Marie Laurencin, works from 1905 to 1952 », visible du 9 janvier au 22 février 2025. Cette rétrospective rassemble plus de vingt œuvres majeures de l’artiste française, retraçant son évolution artistique, de ses premières expérimentations jusqu’à ses compositions matures.
L’Art Féminin par Excellence
Marie Laurencin, née en 1883, a consacré sa carrière à représenter la beauté féminine. Avec une palette délicate de tons pastel et des formes idéalisées, elle a capturé la grâce et l’élégance de figures féminines éthérées, marquant une esthétique singulière et reconnaissable. Laurencin s’est également imposée comme une figure emblématique de la scène artistique parisienne, collaborant avec des artistes tels que Pablo Picasso et Guillaume Apollinaire.
Une Vision Contemporaine de l’Héritage de Laurencin
Bien que Laurencin ait connu un succès commercial et critique de son vivant, son œuvre a été mise en retrait après sa mort en 1956, éclipsée par le mouvement expressionniste abstrait américain. Cependant, des rétrospectives récentes, comme celle de la Barnes Foundation en 2024, ont permis de réévaluer son rôle dans l’histoire de l’art moderne européen. L’exposition d’Almine Rech participe à ce renouveau, en explorant non seulement l’esthétique de l’artiste mais aussi ses thématiques transgressives, notamment sa représentation d’une féminité affirmée et fluide.
Informations pratiques
Titre de l’exposition : Marie Laurencin, works from 1905 to 1952
Dates : Du 9 janvier au 22 février 2025
Lieu : Almine Rech | New York, 39 East 78th Street, 2e étage
Plus d’informations : alminerech.com
Claire Chesnier, artiste peintre reconnue pour son exploration unique des encres et du papier, dévoile sa première monographie. Avec des textes signés par des auteurs prestigieux tels que Maylis de Kerangal et Jean-Michel Alberola, cet ouvrage célèbre plus de dix années de création. À cette occasion, une rencontre exclusive avec l’artiste se tiendra au Palais de Tokyo le 22 janvier 2025.
Une décennie de créativité immortalisée
Publié en décembre 2024, l’ouvrage de 240 pages explore le processus singulier de Claire Chesnier : Techniques immersives : L’artiste travaille sur des papiers détrempés, manipulant l’encre avec une précision méditative. Esthétique naturelle : Ses œuvres évoquent des paysages infinis et des horizons fluides, jouant entre lumière et mouvement. Collaboration littéraire : Les textes de Maylis de Kerangal, Molly Warnock et Jean-Michel Alberola ajoutent une profondeur narrative à cette expérience visuelle.
Une rencontre au Palais de Tokyo
Le 22 janvier 2025, Claire Chesnier sera en conversation avec Maylis de Kerangal, animée par David Desrimais, à la librairie du Palais de Tokyo. Cet événement promet une immersion dans le parcours artistique de l’artiste, suivie d’une séance de dédicace.
Date et lieu : 22 janvier 2025, 18h30, Palais de Tokyo (librairie).
Entrée gratuite sur réservation.
Pourquoi découvrir Claire Chesnier maintenant ?
Expositions internationales : Dès fin 2024, ses œuvres voyageront entre Paris, Istanbul et Tours, et participeront à l’exposition « Dans le flou » au Musée de l’Orangerie. Édition haut de gamme : Sa monographie est un objet d’art en soi, mêlant marquage à chaud et reliure soignée. Approche unique : Sa peinture dépasse le visuel, plongeant dans une exploration sensorielle rare.
Claire Chesnier
Textes de Maylis de Kerangal, Pierre Wat, Molly Warnock et Jean-Michel Alberola
240 pages
20,5 × 27 cm
Hardcover, marquage à chaud, vignette et cuvette
Parution : Décembre 2024
https://www.jbe-books.com/collections/jbe-3-artists/products/claire-chesnier?variant=50113480261978
Hauser & Wirth présente la première exposition solo de l’artiste britannique aux États-Unis
Une immersion au cœur de l’art contemporain
Du 1er février au 1er Juin 2025, Hauser & Wirth Downtown Los Angeles accueille The Bleed, Part II, la première exposition solo aux États-Unis de George Rouy, artiste britannique emblématique de sa génération. Après une présentation acclamée à Londres, ce deuxième « chapitre » explore des thèmes profonds liés à la masse humaine, la multiplicité et le mouvement dans un monde contemporain où désir, aliénation et hyperconnectivité se croisent.
Les concepts phares : « The Bleed » et « The Surrounds »
Rouy s’intéresse à la manière dont les figures et les espaces interagissent sur ses toiles. Cette notion de bleed se traduit par des formes se mêlant, saignant et se dissolvant dans le vide, reflétant les tensions entre l’individu, son environnement et son collectif.
Les œuvres présentées marquent une évolution de son travail monochromatique vers des couleurs éclatantes, accentuant la texture et la vitesse. Inspiré par des fragments de réalité numérique, Rouy propose une abstraction qui bouleverse les codes visuels traditionnels et nous confronte à l’essence brute de l’humanité.
Une performance à ne pas manquer : BODYSUIT
Pour marquer l’ouverture de l’exposition, Rouy s’associe à la chorégraphe Sharon Eyal pour une performance multidisciplinaire inédite aux États-Unis. BODYSUIT mêle danse, musique électronique composée par l’artiste, lumières dynamiques et costumes signés 16Arlington. Une immersion totale où stase et mouvement, précision et exaltation s’affrontent pour refléter les conflits intérieurs et extérieurs de notre époque.
Dates et infos performance :
Durée : 45 minutes
Lieu : Hauser & Wirth, Los Angeles
Un livre d’art unique célèbre les bonbons et personnalités remarquables
81 bonbons et personnalités remarquables entre dans les librairies, un ouvrage signé FeGH qui mélange gourmandise et art à travers 304 pages colorées. Ce livre célèbre les bonbons emblématiques de France, avec des photographies de Vincent Lappartient et des contributions de figures telles que François-Régis Gaudry. Depuis sa sortie, il fait sensation sur les ondes francophones et sera présenté lors d’une rencontre gourmande le 25 octobre à Paris. À découvrir sans modération pour les amateurs d’art et de sucreries !
Du 26 octobre au 28 décembre 2024, le Mandarin Oriental, Marrakech, en collaboration avec la Galerie 208, accueille l’exposition Rythme des Dunes de l’artiste franco-chinoise Li Chevalier. Connue pour ses œuvres à l’encre de Chine et ses installations multimédias immersives, l’artiste explore les thèmes de l’identité, du temps qui passe, et de la mémoire. Cette exposition capture la beauté éphémère des dunes désertiques, un hommage à la force et à la sérénité du paysage marocain. Une rencontre entre art et nature à ne pas manquer.
Dates de l’exposition
26 octobre – 28 décembre 2024
Horaires
Ouvert du mardi au samedi, de 12h à 19h,
ou sur rendez-vous en dehors de ces horaires
Lieu
M.O Studio, Mandarin Oriental, Marrakech
Adresse
Route du Golf Royal, 40000 Marrakech, Maroc
Entrée
Libre
Les Éditions Assouline dévoilent un magnifique ouvrage dédié à The Peninsula London, un hôtel de luxe mêlant tradition et modernité. Ce livre met en lumière l’histoire, le style et la qualité de service de cet établissement, ouvert en septembre 2023 après un projet d’un milliard de livres sterling. @peninsulahotels @thepeninsulalondonhotel
À travers des photographies originales, des interviews exclusives et des illustrations, le livre plonge le lecteur dans l’expérience unique qu’offre The Peninsula London. De la cour de l’hôtel avec une Rolls Royce à l’Afternoon Tea, en passant par le restaurant Brooklands by Claude Bosi, chaque détail est un hommage à l’excellence. Disponible au prix de 120€.
Le Pullman Paris Montparnasse accueille une exposition immersive de l’artiste Jasper Huang, du 21 octobre 2024 au 7 janvier 2025, proposant une exploration captivante des limites de la perception humaine. Cet événement plonge les visiteurs dans l’univers tactile et introspectif de cet artiste taïwanais, connu pour son travail sensoriel et émotionnel.
Avec pour thème « Exploring the Boundaries of Art and the Mind, » l’exposition interroge la « tactilité » comme vecteur de réflexion sur la perception humaine. À travers des œuvres intégrant encre, pigments minéraux et techniques mixtes, Huang établit un dialogue subtil entre toucher et pensée, questionnant la manière dont nos émotions sont influencées par les expériences sensorielles. Ses séries « Origins of Behavior » et « Forms of Desire » explorent les pulsions universelles comme la quête de pouvoir et le désir, avec des références historiques et modernes qui résonnent dans notre société contemporaine.
L’exposition invite à une immersion sensorielle où toucher et émotion fusionnent, encourageant les visiteurs à explorer leur propre monde intérieur. En tissant un lien entre l’art et les sens, Jasper Huang offre une occasion unique de mieux comprendre les mécanismes invisibles de la nature humaine.
Forte de son succès lors du Festival Taste Korea 2023, le Centre Culturel Coréen prolonge sa toute nouvelle exposition immersive en vidéo mapping intitulée « Dans le cœur de la vague » jusqu’au 30 septembre.
Cette exposition, véritable escapade en Corée du Sud, présente les œuvres digitales des studios graphiques coréens « d’strict » et « davvero art », ainsi que celles de quatre autres artistes talentueux : Kang Yiyun, Min Joonhong, Kohui et Hyun Jiwon.
Les six œuvres présentées promettent une parenthèse tout en fraîcheur pour l’été, invitant le visiteur à découvrir la deuxième ville de Corée et ses merveilles maritimes :
“Aurora Beach” – d’strict : une fusion envoûtante du son apaisant des vagues et d’une symphonie de lumières. Cette création du studio de design digital d’strict, reconnu pour ses projets primés tels que « Wave » à Séoul et « Waterfall-NYC” à Times Square à New York, offre une expérience à la fois esthétique et apaisante.
“Waves of Lights in Busan” – davvero art : ce studio coréen talentueux capture avec brio la splendeur lumineuse de Busan. À travers cette création digitale, il met en avant les symboles emblématiques de cette ville côtière tels que le pont Gwang-an, les fleurs de camélia et les feux d’artifice du Festival international. davvero art excelle dans la création de contenus numériques interactifs, de projections en mapping vidéo, de réalité virtuelle et d’animations 3D, mettant en valeur le riche patrimoine culturel coréen.
No Mother Nature 3.0″ – Kang Yiyun : présentée lors d’une exposition d’art digital organisée par la mairie de Busan, cette œuvre de Kang Yiyun offre une vision multidimensionnelle du dynamisme de la nature et des êtres qui la peuplent. L’artiste exprime la magnificence de la nature tout en soulignant la nécessité de la percevoir au-delà de sa simple personnification. Kang Yiyun, artiste et professeure à la prestigieuse université coréenne KAIST, a participé à des projets artistiques internationaux de renom, dont les biennales de Venise et de Shenzhen, CONNECT et BTS. Ses œuvres sont exposées et conservées au Victoria and Albert Museum de Londres.
« Real Time Purgatory » – Min Joonhong : Min Joonhong crée une œuvre originale inspirée de la mer, de la ville, de la nature et des êtres en harmonie à Busan. Son œuvre, réalisée en collaboration avec la start-up artistique Adler, incarne la mutation constante et le développement de la cité portuaire, repoussant les limites de la connaissance humaine. Min Joonhong, artiste formé à Séoul et à Londres, s’inspire des deux capitales pour créer des œuvres pluridisciplinaires explorant la culture, les paysages et les acteurs du monde.
“Horizons” – Kohui : cette création offre une interprétation unifiée et personnelle des multiples facettes de la mer bordant Busan, transportant les spectateurs vers de nouveaux rivages créatifs tout en évoquant des souvenirs intimes. En tant qu’artiste sonore, Kohui a participé à des expositions et performances artistiques nationales et internationales, ainsi qu’à des expositions collectives renommées : WeSA Festival en 2016 et 2018, MUTEK MONTREAL en 2021, ACT FESTIVAL en 2018 et 2022, Seoul International Computer Music Festival en 2022.
“The Harbour (edited version)” – Hyun Jiwon (Illustration de l’article) : un symbole de la rencontre contemporaine entre graphismes modernes et musique folklorique. En collaboration avec Mok Kilin, un talentueux flûtiste de piri, et Kim Moobin, héritier du chant folklorique du nord-ouest de la péninsule coréenne, l’artiste conte aux visiteurs un récit captivant sur Busan, allant au-delà des spécificités géographiques et historiques de la ville. Hyun Jiwon, également connue sous le pseudonyme “z1″, explore à travers son travail artistique des thèmes tels que la méditation, la communication et la progression, mettant en valeur les relations humaines, la culture et l’environnement. Son talent artistique a été reconnu lors d’expositions à Séoul, Milan et à l’aéroport d’Incheon.
Rendez-vous du lundi au vendredi, de 10h à 18h et le samedi de 14h à 18h au Centre Culturel Coréen – 20 rue la Boétie – 75008 PARIS (arrêt : Miromesnil).
Réservation conseillée sur : www.coree-culture.org – Entrée gratuite
The Room Projects a le plaisir d’annoncer, du 14 au 21 septembre 2023, l’exposition personnelle de l’artiste Maria Di Stefano, intitulée THIS IS US – PARIS
À cette occasion, Maria Di Stefano présentera une sélection de photographies inédites réalisées lors de sa résidence d’un an à Paris. Ces images sont le résultat de la poursuite d’un projet né à Rome en 2021 sous le commissariat de Veronica He. THIS IS US est un vaste projet photographique mettant en scène des personnes, des lieux et des relations. Les images racontent l’histoire de 20 adolescents, qui partagent le passé migratoire de leur famille et qui, par conséquent, ne peuvent demander la nationalité française avant l’âge de 18 ans. THIS IS US – PARIS est un projet réalisé grâce au soutien de l’Italian Council (11e édition, 2022), le programme pour la promotion internationale de l’art italien de la Direction Générale de la Créativité Contemporaine du Ministère de la Culture.
Maria Di Stefano est une artiste pluridisciplinaire italienne. Après avoir obtenu une licence en histoire de l’art à la Sorbonne à Paris et un master en beaux-arts à l’UCA de Canterbury, elle s’est installée aux États-Unis pour travailler comme assistante photographe de Richard Kern à New York et comme artiste en résidence au sein de l’Esmoa à Los Angeles. En 2021, le projet THIS IS US a remporté la bourse Lazio Contemporaneo dédiée aux jeunes artistes de Rome. https://www.instagram.com/mariacomesinblue/
THIS IS US – PARIS
Du 14 au 21 septembre 2023
The Room Projects
https://theroomprojects.com
47 Rue de Montmorency, 75003 Paris
Ouvert tous les jours de 10h à 19h
Pionnier de l’art urbain français comme Miss Tic ou Speedy Graphito, Jérôme Mesnager célèbre cette année les quarante années d’existence de son « corps blanc ». Pendant ces quelques dizaines d’années, il a recouvert les murs de nos villes ainsi que de nombreuses toiles. Le « corps blanc » a évolué et grandi avec nous. Cette rétrospective rend hommage à cette icône du street-art.
Exposition du samedi 03 juin au samedi 08 juillet 2023
Vernissage samedi 03 juin 2023 à partir de 14h En présence de l’artiste
En marge de la sortie du film événement de Martin Bourboulon, Les Trois Mousquetaires : D’Artagnan, le 5 avril 2023, la Fondation Jérôme Seydoux-Pathé ravive l’œuvre entière d’Alexandre Dumas. Tous les espaces de la Fondation seront dédiés à l’auteur pour accueillir une exposition inédite et grandiose (Dumas à l’écran, de l’aventure à la démesure, du 22 mars au 15 juillet 2023), une rétrospective de films d’Alexandre Dumas père et fils en ciné-concert (Dumas à l’écran, de l’aventure à la démesure, du 22 mars au 25 avril 2023), des animations pour le jeune public et un cycle de conférences exceptionnelles. Fondation Jérôme Seydoux-Pathé, 73 avenue des Gobelins, 75013 Paris
A l’invitation de la Fondation Desperados pour l’Art Urbain, l’artiste-curateur Gaël Lefeuvre a convié 11 artistes internationaux parmi les plus avant-gardistes de la scène urbaine actuelle pour produire dans une ancienne fabrique industrielle du 11ème arrondissement de Paris, une exposition immersive et gratuite sur plus de 3 000 M2. SUPER TERRAM (hors sol en latin) se présente comme une allégorie de nos vies contemporaines artificielles en perte de repères face à la Nature et aux éléments qui constituent l’existence. Les artistes en donneront leur interprétation à travers une diversité d’oeuvres organiques et évolutives parmi lesquelles des sculptures, des peintures, des installations, visuelles et sonores, ainsi que des oeuvres d’art numérique, toutes réalisées in situ. (Du 10.02 au 19.03 2023)
Artistes : Michael Beitz (Etats-Unis), Matteo Berardone (Italie), Gonzalo Borondo (Espagne), le collectif CELA (France), A. L. Crego (Espagne), Germain Ipin (France), Joaquín Jara (Espagne), Amir Roti (France), Seth (France), Axel Void (Etats-Unis) et Addam Yekutieli alias Know Hope (Israël).
Le musée Marmottan Monet présente du 8 mars au 18 juin 2023 l’exposition « Néo-Romantiques. Un moment oublié de l’art moderne 1926-1972 ». Près d’une centaine d’œuvres, issues de collections privées et publiques seront réunies pour faire (re)découvrir l’un des premiers mouvements post-modernes fondé sur la remise en cause de l’abstraction et sur le retour à la figure. Sous le commissariat de Patrick Mauriès, l’exposition mettra à l’honneur les artistes ayant participé à ce courant, tels que le français Christian Bérard (1902-1949), les russes Pavel Tchelitchew (1898-1957), Eugène (1899-1972) et Leonid Berman (1898-1976) et le hollandais Kristians Tonny (1907-1977). D’abord réunis à Paris, dans les années 1920, ces derniers vont participer à la scène artistique américaine, anglaise et italienne créant des ponts entre Picasso, le surréalisme, les figuratifs du XXe siècle et les arts vivants pour lesquels ils créèrent des spectacles mémorables… https://www.marmottan.fr
Eugène Berman (1899-1972)
Italian Symphony, Scene IV, Saltenello 1939
Gouache et encre sur papier, 24,4 x 38,1 cm
New-York, Michael Rosenfeld Gallery
@ Courtesy of Michael Rosenfeld Gallery LLC
Gaby Sahhar, jeune artiste d’origine franco-palestinienne basé.e à Londres, présente, jusqu’au 9 janvier 2023, un projet inédit inspiré de l’œuvre d’Otto Dix qui a mis à nu les maux de la société du début du XXe siècle, des pages du manga futuriste dystopique japonais Ghost in the Shell et des personnages des clips vidéo d’Arca. Pour pièce maitresse de ce projet, Gaby Sahhar a notamment imaginé un immense panorama de 7 mètres de long réalisé à la peinture à l’huile qui dépeint des expériences urbaines au cœur des sites de transit des métropoles occidentales. Iel explore une pratique interdisciplinaire, en s’intéressant aux espaces publics « anonymes » pour attirer l’attention sur des vies de personnes dont la différence est souvent encore sanctionnée.
Exposition à découvrir jusqu’au 9 janvier 2022 au nouveau flagship The Kooples : 93, avenue des Champs-Elysées (métro George V) – en accès libre https://www.thekooples.com
La galerie Idea Paris Design et le Psychedelic Art Center s’unissent pour une rare exposition présentant différentes facettes de l’esthétique colorée et créative des années 1970. Un mélange de contre-culture surréalisme et spiritualité s’affiche en plusieurs sections d’oeuvres rares : musique, art, lumière noire, 3D, publicité, presse, posters, etc. Quelques artistes contemporains rafraichissent cette sélection, tandis que de nombreux goodies à petit prix complètent les œuvres exposées.
Au cœur du quartier Montorgueil à Paris, Idéa est une galerie spécialisée dans le mobilier et les objets design des années 50,60 et 70. La collection du Psychedelic Art Center est la plus grande en Europe sur l’art inattendu. Elle se compose de 8000 pièces d’une grande variété de médiums et de tous pays. Celle ci est exposée et prêtée plusieurs fois par an, 80 expositions à ce jour, afin de créer le premier Centre d’Art Psychédélique au monde. 58 Rue Greneta, 75002 Paris (jusqu’au 22 novembre)
À l’occasion de l’ouverture du musée Gainsbourg dans la maison de l’artiste rue de Verneuil, voici une version relookée et augmentée de l’un des fleurons du catalogue Textuel. Épuisé depuis 2018, l’existence de cet ouvrage est intimement liée à la rue de Verneuil. C’est là que Charlotte Gainsbourg les a découverts, au fond d’un placard, en vrac, un trésor de brouillons manuscrits, biffés, gribouillés, difficiles à déchiffrer.
Laurent Balandras s’est plongé dans cette archive monumentale réalisant un travail de génétique littéraire extrêmement minutieux. Et aujourd’hui, grâce à la préfiguration du musée, de nouveaux manuscrits inédits sont apparus, complétant ce recueil : Les P’tits papiers, La Gadoue, Il s’appelle reviens, Attends ou va-t’en, L’Ami Caouette, Overseas Telegram. Ils viennent s’ajouter aux brouillons de chansons mythiques comme Je t’aime moi non plus, La Javanaise, Initials B.B., L’Homme à tête de chou… Il est fascinant de voir combien Gainsbourg travaillait, listait, corrigeait, remettant inlassablement sur le métier le matériau de sa création.
Le recueil est ponctué d’extraits de scenarii, de partitions annotées, de pages, de son roman Evguénie Sokolov, d’aphorismes, de dessins rares, de reproductions de ses petits agendas Hermès où les séances d’enregistrement cohabitent avec des recettes de cuisine ou de cocktails. L’ensemble, commenté et contextualisé par les notices de Laurent Balandras, forme un bouquet passionnant et émouvant.
Laurent Balandras est éditeur musical. Il a publié chez Textuel La Marseillaise de Serge Gainsbourg. Anatomie d’un scandale (2015) ou Les manuscrits de Claude Nougaro (2005) et signé la préface du livre de Christophe Marchand-Kiss Gainsbourg. Le génie sinon rien (2015).
Cohle Gallery présente Génération Do, la nouvelle exposition personnelle de Geoffrey Bouillot. A travers cette exposition, empreinte de nostalgie et s’inspirant de la pop culture japonaise et française des années 90, l’artiste examine comment ces éléments culturels influencent nos psychés même des années plus tard ; ses œuvres constituant en quelque sorte un point de rencontre entre la mémoire et le présent. On peut dire que d’une façon ou d’une autre le Club Dorothée a eu un impact non négligeable sur le travail mais également la vie de Geoffrey Bouillot. En choisissant ce titre « Génération Do », l’artiste rend hommage à ses premières influences d’animation des années 90, en créant également un lien de mémoire visuel avec toutes ces personnes qui comme lui, maintenant adultes, font partie de cette génération. Dans cette exposition, nous aurons la possibilité d’entrevoir des personnages connus des séries japonaises (Sailor Moon, Dragon Ball Z…). L’exposition aura lieu du 13 octobre au 5 novembre à la Cohle Gallery Paris, 7 rue d’Argenteuil, 75001. Le vernissage se déroulera le jeudi 13 octobre en présence de l’artiste.
À partir du 22 septembre, Fort Gansevoort présentera The Tip of the Iceberg, sa première exposition solo avec Dawn Williams Boyd dans les locaux de la galerie à New York. Avec douze nouvelles œuvres à grande échelle, cette présentation coïncide avec la dernière étape de l’exposition muséale itinérante de l’artiste, Dawn Williams Boyd : Woe, présentée au Sarah Lawrence College à Bronxville, New York. Les « peintures sur tissu » de Dawn Williams Boyd établissent un récit sociopolitique puissant et sans complaisance à partir de textiles. Utilisant le tissu comme pigment, elle superpose et assemble des souvenirs personnels, des documents historiques et des références politiques pour remettre en question les récits communément acceptés. Ses scènes sont peuplées de personnages grandeur nature et rendues avec des textures élaborées et des motifs ornés, évoquant le riche héritage du matelassage et du collage que la critique Sasha Bonét a décrit comme la « pratique historique de l’imagination noire » – mais ici avec une différence : Boyd établit un langage visuel unique qui lui est propre dans le cadre des traditions plus larges de la couture, en employant des matériaux inattendus tels que des perles, des paillettes, des cauris, des lacets, des rubans de soie et des peintures acryliques. Elle livre une vérité figurative façonnée à partir d’une transformation astucieuse de fibres ordinaires, présentant au spectateur une interprétation contemporaine de la narration visuelle.
Dawn Williams Boyd
The Tip of the Iceberg
September 22 – November 19, 2022
5 Ninth Avenue NYC https://www.fortgansevoort.com
Pour leur exposition personnelle à la galerie Les Filles du Calvaire, les Bells Angels présentent une nouvelle série de peintures intitulée Crowd Processing Paintings. Ce titre aux accents prédictifs joue aussi bien sur l’impact algorithmique des images de foule que sur une histoire des techniques de reproduction. Il rappelle en effet celui d’articles scientifiques visant à développer de nouveaux algorithmes capables de traquer l’individu dans une image de foule et d’anticiper ses mouvements, son comportement.
FUTURE IMPACT
9 au 24 septembre 2022 Vernissage le jeudi 8 septembre (18h30 – 21h)
FUTURE IMPACT II
8 au 22 octobre 2022
Vernissage le vendredi 7 octobre (18h30 – 21h)
Changement d’accrochage entre les deux expositions.
The Bells Angels, CROWD PROCESSING PAINTINGS, Série en cours 2019 – 2022
162 x 130cm – acrylic black, white & silver on canvas
Galerie Les filles du calvaire 17, rue des Filles-du-Calvaire 75003 Paris 01 42 74 47 05 www.fillesducalvaire.com paris@fillesducalvaire.com
Vénéré au Japon comme une figure de proue de l’art d’après-guerre et le précurseur des mouvements Pop et Superflat japonais, Keiichi Tanaami, 86 ans, dévoilera une suite éblouissante de nouvelles peintures à grande échelle lors de sa première exposition avec Venus Over Manhattan. L’art de Tanaami est célèbre pour son approche débridée des formes, l’intensité de ses couleurs et ses couches presque vertigineuses de références culturelles astucieuses allant de l’ukiyo-e à Disney. Cette exposition, la première de l’artiste à New York depuis 2016, présentera également de nouvelles animations aux côtés d’une douzaine de toiles monumentales, en prélude à la prochaine tournée muséale européenne de Tanaami en 2023/2024.
Keiichi Tanaami
September 8 – October 8, 2022
Venus Over Manhattan, 55 Great Jones Street NYC https://www.venusovermanhattan.com
https://www.instagram.com/keiichitanaami_official
Béton Le Havre est de retour pour une quatrième édition au coeur de la porte Océane. Le festival situé dans le cadre architectural classé, propose une programmation futuriste équilibrée entre rap et électronique ; assortie aux fameuses ‘Balades Béton’ axées autour de l’architecture de la ville, la photographie, la gastronomie, l’illustration ainsi que des ateliers en tout genre : street-art , skate mais aussi activités pour les enfants. Au total une trentaine de balades et conférences sont prévues pour arpenter et (re)découvrir la ville.
ESPLANADE NELSON MANDELA
50 QUAI DE SOUTHAMPTON
76600 LE HAVRE
15H – 01H
LES MINEURS DOIVENT ÊTRE ACCOMPAGNÉS
Après cinq ans de travaux, le prestigieux Hong Kong Palace Museum (HKPM) a ouvert ses portes le 3 juillet, l’un des nouveaux hauts lieux de l’offre artistique et culturelle de Hong Kong et du quartier culturel de West Kowloon. Rejoignant un large éventail d’autres attractions emblématiques sur le front de mer de la baie Victoria, telles que le M+ récemment ouvert et le Hong Kong Museum of Art récemment rénové, le HKPM ne fait pas qu’allonger la liste des musées de renom de la destination, il enrichit également la diversité de sa scène artistique et culturelle. Par ailleurs, chaque nuit de juillet, la très appréciée « Symphonie de lumières » baignera la baie Victoria de lumières, de musique et de couleurs avec une édition spéciale, enchanteresse.
Le HKPM abrite l’une des plus impressionnantes collections de céramiques chinoises au monde et plus de 900 œuvres d’art prêtées par le prestigieux Palace Museum de Pékin, parmi les plus grandes et les plus belles que le Palace Museum n’ait jamais offertes à une autre institution culturelle en dehors du continent depuis sa création. Le HKPM présente également 13 pièces précieuses prêtées par le Louvre, témoignant du rôle du musée en tant que centre d’échanges culturels internationaux entre l’Est et l’Ouest.
La MEP présente Le langage silencieux, une exposition collective inédite à Aix-en-Provence dans le cadre du « Grand Arles Express ». Constituée d’une cinquantaine d’œuvres iconiques du 20e siècle et issues de sa collection, cette exposition propose d’explorer les différents types de relations qui existent entre le photographe et son modèle.
Mettant en regard l’œuvre de photographes de différentes époques et origines géographiques, l’exposition présente autour de cette thématique des images de Diane Arbus, Harry Callahan, Donigan Cumming, Philip-Lorca diCorcia, Rineke Dijkstra, Nan Goldin, Emmet Gowin, Bertien Van Manen, Robert Mapplethorpe, Ralph Eugene Meatyard, Helmut Newton, Martin Parr, Man Ray, Bettina Rheims, Alice Springs ou encore Henry Wessel, toutes issues des collections de la MEP. Organisée en collaboration avec le département des Bouches-du-Rhône, l’exposition se tiendra dans l’espace départemental du 21 bis Mirabeau, à Aix-en-Provence, du 6 juillet au 23 octobre 2022. Le commissariat est assuré par Clothilde Morette, chargée d’exposition à la MEP.
La végétalisation urbaine est un levier fondamental pour lutter contre la violence des effets du réchauffement climatique. Face aux vagues de chaleur successives, les villes ont tant à apprendre de la Nature, afin d’améliorer la santé des futures générations de citadins mais aussi la qualité de leur environnement, en restaurant notamment la biodiversité au cœur des villes grâce aux forêts urbaines.
Timberland crée l’événement pendant la Tortona Design Week en installant une forêt flottante multisensorielle sur la Darsena. Cette expérience immersive, sobrement baptisée Timberland, entend sensibiliser les nouvelles générations qu’elle équipe et inspire à changer le monde. À travers cette œuvre phygitale, la marque renforce son engagement pour la revégétalisation des espaces urbains et la circularité, tout en s’offrant une plateforme d’expression impactante pour mettre en avant ses toutes dernières éco-innovations.
Dans une ambiance mêlant nature et technologie, le public pourra s’immerger dans l’univers de Timberland et profiter d’une œuvre éphémère inédite imaginée par le studio de création italien multidisciplinaire Stefano Boeri Interiors. Composé du talentueux architecte urbaniste Stefano Boeri et de Giorgio Donà, le duo s’est à de nombreuses reprises démarqué grâce à sa vision unique de l’occupation et de la transformation d’espaces urbains en faveur de la responsabilité environnementale par le design sous toutes ses formes.
L’installation accueillera les visiteurs au cœur de Milan en Italie du 7 au 12 juin 2022 de 10h00 à 22h00 (Darsena – Viale Gabriele D’Annunzio, 20). Pour les absents de Milan, l’expérience sera également disponible ICI.
La Bim Bam Gallery a le plaisir de présenter « The Last California Paintings », la première exposition personnelle de Richard Colman en France. Le titre de l’exposition fait référence au fait que l’artiste, basé à San Francisco, a entamé un nouveau chapitre de sa vie en déménageant son atelier de Californie au Connecticut. Cela l’a inspiré à approfondir sa pratique actuelle tout en mélangeant des éléments de ses premières années californiennes.
Exposition du 7 au 28 mai
Du mardi au samedi, de 11h à 19h
Galerie Bim Bam, 7 rue Saint Claude, 75003 Paris http://www.bimbam.gallery
Le peintre Somsak Hanumas, représenté par Asiart Gallery (qui bénéficie d’une exclusivité mondiale sur son œuvre), a été sélectionné pour participer à l’exposition European Center au Palazzo Bembo, durant la Biennale de Venise qui se déroulera du 23 avril au 27 novembre 2022. Le peintre thaïlandais est en train de devenir une véritable référence parmi les artistes émergents de l’art contemporain. Depuis bientôt 10 ans, ses toiles sont présentes dans de nombreuses fondations et chez des collectionneurs du monde entier. Chaque œuvre de Somsak Hanumas s’inscrit de fait dans l’espace qui lui est destiné, comme une évidence de son but, de son besoin de présenter aux regards une représentation.
« Lorsque je crée, j’ai l’impression d’enfin pouvoir m’exprimer, en peignant librement, en étant pleinement en accord avec mes émotions, mes sentiments et mon imagination à travers chacune de mes œuvres. »
La galerie Les filles du calvaire présente l’exposition personnelle du photographe américain Todd Hido, The Black Mechanism. L’artiste revient à Paris avec un ensemble d’images inédites et puissantes, prises au États-Unis cette année. Les paysages photographiés par l’artiste font état d’un monde désolé et sombre, au bord d’une pénombre dont on pressent qu’il peinera à s’extirper. Ce nouveau corpus est également entremêlé de portraits de femmes aux expressions inquiètes, suggérant elles aussi la noirceur ambiante.
Exposition du 17 mai au 18 juin 2022
[ Vernissage samedi 14 mai 2022 (15h – 20h) ]
Alors que se multiplient les tentatives de polarisation de la pensée, l’exposition Silsila, le voyage des regards, présentée du 31 mars au 31 juillet 2022 par l’Institut des Cultures d’Islam, interroge tout en nuances les notions de transmission et de représentation à travers les œuvres d’artistes qui vivent en France et dont l’histoire personnelle ou familiale s’inscrit dans un parcours migratoire.
Silsila (« la chaîne » en arabe) évoque les liens de filiation qui unissent les êtres ou les événements, suite de maillons singuliers mais indissociables, comme autant de destinées entrelacées. Tissant délicatement les fils de leurs origines, les artistes alternent les médiums et les registres, la figuration et l’abstraction, pour convoquer des imaginaires renvoyant à l’intime et aux souvenirs, aux symboles et aux rituels. Ils explorent l’histoire de l’art et la poésie, analysent l’héritage au sens propre comme au figuré et affirment des identités féminines en mouvement, dépassant les normes de la tradition. Entre passé et présent, ici et là-bas, leurs œuvres invitent à un voyage des regards dans le temps et dans l’espace.
L’exposition s’accompagne d’une programmation pluridisciplinaire qui met les femmes à l’honneur : conteuses de légendes du Liban, du Mali, d’Algérie et du Maroc à l’occasion du Ramadan, chanteuse revisitant le patrimoine mandingue, conférences avec des artistes issues de la diversité témoignant de leur parcours ou détournant les codes de l’orientalisme… Sans oublier ciné-goûters, spectacles et ateliers de pratique artistique pour le jeune public.
Du 31 Mars au 31 Juillet 2022
ICI Stephenson : 56, rue Stephenson – 75018 Paris
ICI Léon : 19, rue Léon – 75018 Paris
ouvert du mardi au dimanche de 11h À 19h sauf le vendredi de 16h à 20h fermé le lundi et les jours fériés.
La galerie Les filles du calvaire présente une nouvelle exposition de l’artiste américaine Kate MccGwire du 29 mars au 7 mai 2022. L’exposition comprendra des sculptures, des pièces murales et une installation monumentale, mettant en évidence l’intérêt soutenu de l’artiste pour la nature et sa méditation personnelle sur la vie au bord de l’eau.
Célèbre pour son répertoire de formes tortueuses et robustes, Kate MccGwire invoque la sculpture classique et les créatures de la mythologie. Influencées par les cycles, les motifs et les courants de l’eau, les œuvres de l’exposition explorent les relations conflictuelles entre nature et construction humaine…
Une exposition incroyable organisée par Moleskine et la fondation Moleskine qui présentera au Palais de Tokyo, au Bon Marché et chez Ground Effect une collection exclusive d’œuvres d’arts créées à partir des célèbres carnets.
Depuis des dizaines d’années la fondation Moleskine collecte ces œuvres offertes par des artistes reconnus du monde entier (écrivains, peintres, architectes, musiciens..). Aujourd’hui, plus de 1300 œuvres composent cette collection inédite.
L’exposition rentre tout juste de Shanghaï où elle a reçu un magnifique accueil, arrive à Paris le 9 février et repartira ensuite pour Londres, puis New York. A chaque passage dans une nouvelle ville, elle invite des artistes locaux de la jeune génération à enrichir la collection : plus de 35 jeunes artistes parisiens sélectionnés par Ground Effect et Moleskine vont venir compléter l’exposition parisienne. Cette exposition est l’occasion de revenir sur l’histoire du carnet Moleskine : comment ces petits carnets en moleskine qui ont servi à Picasso ou Van Gogh sont toujours autant plébiscités aujourd’hui par les nouvelles générations d’artistes.
9 – 20 février 2022, Palais de Tokyo (tous les jours, sauf le mardi, de 12h00 à 22h00)
9 février – 31 mars 2022, exposition en exclusivité dans les magasins du Bon Marché
23-26 février 2022, Galerie Ground Effect – exposition et événement final
9-26 février 2022, boutiques Moleskine – vitrines spéciales et découverte en boutique.
Illustration Yuval Avital, Babirye Leilah, Elia Ferroli A Tiny Splash
La galerie Les filles du calvaire présente une nouvelle exposition de l’artiste américain James Hyde. Basé à Brooklyn, l’artiste revient à Paris avec un ensemble inédit d’œuvres picturales. Depuis plus de trente ans, son œuvre est une exploration et une expérimentation de la matérialité, mélangeant les médiums (sculpture/fresque, photographie, peinture, virtuel) pour faire surgir les questions sur la création, l’œuvre d’art. Ce nouveau corpus d’œuvres utilise le prétexte de la sculpture publique en la noyant dans une étrangeté qui déplace le regard, suscite une curiosité et une attention qui tend à disparaitre aujourd’hui dans le format unique de nos réseaux sociaux…
Le travail de James Hyde a intégré les prestigieuses collections du Musée d’Art Moderne de New York, du Musée Guggenheim de New York et du Musée Fabre de Montpellier.
James Hyde
HERMES (PUBLIC SCULPTURE), 2021
dispersion de pigments acrylique,
acrylique, impression jet d’encre (sur papier Archival) et vernis uréthane sur panneau d’affichage en vinyle tendu (uv)
213 x 244 cm
Pour l’exposition Louise Bourgeois x Jenny Holzer, Holzer a regroupé des œuvres de Bourgeois de manière thématique au sein de neuf salles du Kunstmuseum Basel | Neubau. La présentation suit une logique intuitive et poétique. Chaque salle est autonome et possède sa propre identité. Dans le même temps, l’exposition toute entière déploie un récit dense et complexe autour de réminiscences, des cinq sens, de paysages, de l’inconscient, de la sexualité, de la maternité, des traumatismes et de la créativité.
L’exposition bénéficie du soutien de :
The Easton Foundation
Isaac Dreyfus-Bernheim Stiftung
Stiftung für das Kunstmuseum Basel
Hauser & Wirth
Kukje Gallery
Récurrente dans l’Inde ancienne autant que contemporaine, la figure de l’ascète est centrale dans de nombreuses manifestations de l’art indien. Elle illustre ainsi notamment le développement d’une discipline mentale, corporelle et spirituelle appelée yoga. Dédiée aux représentations de l’ascétisme, cette exposition réunit un ensemble de miniatures indiennes et de sculptures sur bois et bronze, du 10e au 19e siècles. Emmenée par les commissaires Amina Okada et Vincent Lefèvre, l’exposition dévoile les manifestations artistiques liées à ces courants religieux, à travers des œuvres issues des collections du musée Guimet, du musée du Louvre, du musée Rietberg de Zurich, de la Chester Beatty Library de Dublin ou de fondations privées…. En tout, 70 oeuvres aussi précieuses que méconnues. Une exposition à découvrir du 2 février au 2 mai 2022 au Musée national des arts asiatiques – Guimet
Musée national des arts asiatiques – Guimet
6, place d’Iéna 75116 Paris
Hôtel d’Heidelbach 19 av. d’Iéna 75116 Paris
Musée d’Ennery 59 av. Foch 75116 Paris
Métro : Iéna (9) ou Boissière (6)
Bus : Iéna (32, 63, 82) ou Kléber-Boissière (30, 22) www.guimet.fr
#museeguimet #expoNepal
GUS VAN SANT – MONA LISA
27 DÉCEMBRE 2021 – 19 FÉVRIER 2022 Vito Schnabel Gallery
VIA MAISTRA 37
7500 ST. MORITZ, SUISSE
La Vito Schnabel Gallery présente Gus Van Sant : Mona Lisa, une exposition de nouvelles peintures du célèbre cinéaste américain basé à Los Angeles. Inaugurée le 27 décembre 2021 dans les locaux de la galerie à Saint-Moritz, l’exposition sera la première de Van Sant en Suisse.
Mona Lisa présentera une série de toiles à grande échelle, exécutées à la feuille d’or, au crayon et à l’huile, qui ont pour sujet le chef-d’œuvre de la Renaissance créé par Léonard de Vinci durant sa deuxième période florentine – la célèbre icône culturelle omniprésente Mona Lisa (La Gioconda ou La Jaconde), vers 1503-1519. Œuvre d’art dont la légende mystérieuse continue de séduire l’imagination, le portrait énigmatique de Léonard est un archétype de la beauté qui s’est ancré dans la conscience collective en tant qu’objet de vénération généralisée. Son classement hiérarchique en tant que tableau le plus connu au monde a conféré à l’œuvre un statut d’immortalité.
Pour sa première exposition parisienne (du 8 déc. 2021 au 17 janv. 2022), Ahmed Al-Maadheed présente une série d’oeuvres inédites, placée sous le signe de la rencontre entre Doha et Paris.
Le parcours artistique scénographié chez Legacy rassemble une vingtaine de peintures résolument contemporaines, dans lesquelles Ahmed aborde les grandes thématiques de la culture qatarie, où se mêlent graphisme, peinture, gravure et calligraphie. Rimal Art Exhibition célèbre la beauté de son environnement tout en nuance, à mi-chemin entre modernité et tradition. Ses coups de pinceaux dynamiques et les couleurs vives utilisées dans ses peintures reflètent l’énergie créative de sa démarche sur fond d’ouverture culturelle.
Legacy store
www.legacy.paris
46 avenue George V 75008 Paris
Tél : +33140696000
Ouvert tous les jours de 10h à 19h
@legacyconceptstore
#legacystore
L’Atelier d’Antoine propose aux amateurs de montres, qu’ils soient passionnés ou débutants, une opportunité unique de se plonger dans le monde de la Haute Horlogerie. Les ateliers découverte constituent une chance rare d’explorer cet univers grâce à une approche aussi bien théorique que pratique et centrée sur un thème en particulier. Limité à un maximum de huit participants, chaque atelier est encadré par un instructeur et un expert de la Manufacture Jaeger-LeCoultre. Spécialement délocalisé à Paris pour l’exposition « Reverso: Intemporelle depuis 1931 », les visiteurs auront l’occasion de s’offrir une aventure unique.
Les participants sont invités à s’inscrire sur www.exposition-reverso.com pour les prochains ateliers prévus :
les 25 et 26 novembre 2021
les 10 et 11 décembre 2021
les 16 et 17 décembre 2021
les 18 et 19 décembre 2021
Durée de l’atelier: 1h30 Prix: 150€
L’exposition « Reverso : Intemporelle depuis 1931 » et le 1931 Café seront ouverts: du mardi au dimanche jusqu’au 24 décembre 2021 au 15 rue du Faubourg Saint-Honoré à Paris 8e.
L’exposition est gratuite et accessible au public
Réservation recommandée sur www.exposition-reverso.com
Audioguides disponibles pour l’exposition.
C’est au bord de l’eau, dans le calme des bassins que l’artiste Soo Burnell puise son inspiration. La photographe écossaise développe depuis près de 20 ans une pratique qui met en valeur la poésie des architectures et des personnages solitaires. Influencée par le travail du cinéaste américain Wes Anderson, l’artiste compose ses images comme d’immenses toiles aux couleurs pastel où les bâtiments deviennent les protagonistes de l’histoire qu’elle nous raconte. « Les hauts plafonds, les verrières, la symétrie, la géométrie, les carrelages… tout se reflète dans l’eau immobile. Au-delà de l’architecture, il y a beaucoup de nostalgie dans ces espaces préservés. »
L’exposition « To the Water » vous invite à découvrir les photographies réalisées à Molitor, et les ambiances des plus belles piscines d’Europe à travers l’œil de la photographe Soo Burnell
Four You Gallery présente la nouvelle exposition de l’artiste new-yorkaise Stickymonger, My Kinda Vacation, en exclusivité à Paris du 18 nov. au 05 déc. 2021. Née en Corée du Sud et vivant à New York, Stickymonger propose pour la première fois, une exposition uniquement composée d’oeuvres colorées, contrairement à son appétence pour le noir et blanc. Chaque pièce exposée raconte une histoire directement inspirée et influencée par sa propre expérience et dont les personnages lui sont familiers. My Kinda vacation nous raconte ces instants de rêverie, comme une routine adaptée à une vie active bien remplie. (Christine Mardirian). Travaillant ses oeuvres à l’aide d’une vaste gamme de médiums et de formes, elle s’est d’abord formée en Corée du Sud, puis à New York en tant que graphiste, où elle fait sa transition vers les Beaux-Arts, au début d’une carrière florissante. Depuis, elle expose dans le monde entier dans le cadre d’expositions collectives et individuelles…
Daydreams in the Ball Pit – Blue, 2021, Aerosol paint on canvas, D 101.6 cm
La Factory Polka est heureuse de présenter « Cruise Night », une plongée dans l’univers fascinant des « lowriders » signée Kristin Bedford. Pendant cinq ans, la photographe a suivi des adeptes du genre issus de la communauté mexicaine de Los Angeles. Loin des clichés, « Cruise Night » nous montre les décors et l’envers du lowriding, un art à part entière. L’exposition est à découvrir du 3 au 23 novembre 2021 à la Factory Polka, 14 rue Saint-Gilles à Paris. L’accrochage combine une collection capsule d’épreuves 20x30cm en open édition signées par l’artiste uniquement disponibles pendant le temps de l’exposition (prix public 180€) et une sélection de six tirages de collection numérotés disponibles en quatre formats du 40x60cm au 110x160cm (à partir de 2600€).
Vernissage public le jeudi 11 novembre à partir de 18h.
Signature du livre «Cruise Night» (Damiani, 2021), le samedi 13 novembre à 16h30.
Artcurial propose une nouvelle vente Urban & Pop Contemporary, le 30 novembre prochain. Une des œuvres phares de cette vente, INVADER, Moon 2015 sera présentée en avant-première la semaine de la Fiac. Initialement cette œuvre a été dévoilée à la HOCA Foundation à Hong Kong en 2015, lors de l’expo Wipe out. Après un premier pas dans l’espace en 2012 à Miami lorsqu’il avait envoyé à plus de 40 km du sol un Space Invader (Space1) à l’aide d’un ballon météorologique, Invader réalise en 2014 – 2015 en collaboration avec l’ESA (Agence Spatiale Européenne) une invasion de l’espace à travers un Space Invader en mosaïque qu’il intègre dans l’environnement du module Colombus de l’ISS (Station Spatiale Internationale). Après plusieurs mois passés à flotter en apesanteur dans l’ISS (elle est partie en juillet 2014), c’est la spationaute italienne Samantha Cristoforetti qui pose un point de colle salvateur sur la mosaïque « Space2 » le jeudi 12 mars 2015.
The Peninsula Paris et Galerie Templon, galerie d’art parisienne établie depuis 1966, s’associent pour une programmation d’expositions au sein du palace parisien. Cette collaboration prend forme dès aujourd’hui et jusqu’au 10 janvier 2022 avec une exposition d’œuvres d’art de Iván Navarro. Cinq de ses œuvres d’art sont disposées dans les espaces publics de l’hôtel pour permettre à tous de découvrir l’univers de ce créateur. Cinq autres sont placées dans deux des plus belles suites de l’établissement afin d’offrir une expérience artistique exclusive aux clients de ces suites. Sept des dix œuvres exposées sont uniques, dont Home, œuvre commandée à l’artiste par The Peninsula Hotels en 2019 dans le cadre de l’exposition « Art in Resonance ». Les trois autres œuvres ont été réalisées par l’artiste en trois exemplaires seulement.
Au cours de ces trois mois d’exposition, deux tables rondes seront organisées au sein de l’établissement de l’avenue Kléber et seront animées par des experts de l’art. Ouvertes à tous (sur réservation), ces rencontres ont pour but de promouvoir et de faciliter le dialogue entre différentes générations d’artistes et de publics. Amateurs d’art, novices ou experts, mais aussi étudiants en école d’art seront les bienvenus.
Au cours de l’année 2022, The Peninsula Paris poursuivra son programme dédié à l’art en exposant au sein de ses espaces le travail d’autres artistes.
Ethan Murrow est né et vit à Boston. Pour cette exposition, l’artiste a produit un ensemble d’œuvres exceptionnelles qui invitent à une méditation sur la nature. En noir et blanc ou en couleurs, elles se déploient in situ jusque dans une grande composition sur les murs de la galerie. Dessinateur virtuose, il campe sur papier des récits théâtraux et insolites en exploitant les changements d’échelle pour créer des perspectives saisissantes. Détaillées et surprenantes, ses œuvres mettent en scène des personnages hybrides, mi humain mi végétal dont les attitudes mêlent aventure, dérision, plaisir et parfois défaite. A découvrir jusqu’au samedi 23 octobre.
Galerie Les filles du calvaire
Ouverture du mardi au samedi 11h à 18h30
17 rue des Filles du Calvaire 75003 Paris M8 Filles du Calvaire
